martes, 31 de agosto de 2010

Concurso Telefónica Vida 13.0 hasta el 7 de noviembre




Fundación Telefónica convoca VIDA 13.0 Concurso Internacional Arte y Vida Artificial, que durante los últimos doce años ha venido premiando proyectos artísticos desarrollados con medios tecnológicos que ofrecen planteamientos innovadores a la investigación de la vida artificial.
- PROYECTOS FINALIZADOS. En esta modalidad, VIDA 13.0 premia proyectos artísticos de vida artificial desarrollados con posterioridad a septiembre de 2008. Se destinará un total de 40.000 euros para los tres proyectos seleccionados por el jurado: Primer Premio: 18.000 euros, Segundo Premio: 14.000 euros, Tercer Premio: 8.000 euros. Además se otorgarán siete menciones de honor a proyectos seleccionados por el jurado entre los finalistas.
Premios:
Se destinará un total de 40.000 euros para los tres proyectos seleccionados por el jurado: Primer Premio: 18.000 euros, Segundo Premio: 14.000 euros, Tercer Premio: 8.000 euros. Además de los tres premios se otorgarán menciones de honor a siete proyectos seleccionados por el jurado entre los finalistas.Las cuantías de los premios estarán sujetas a las retenciones establecidas por la legislación española y vigentes en el momento del pago impuestas por las leyes vigentes en España. En los casos en los que existan acuerdos entre España y los países de residencia fiscal de los premiados, la retención podrá evitarse presentando el correspondiente certificado.

Difusión:
Los proyectos premiados se mostrarán posteriormente en la Galería VIDA, la
galería virtual del concurso, así como en las exposiciones organizadas o en las que participe Fundación Telefónica relacionadas con el arte y las nuevas tecnologías.
Obra:

Cada participante podrá presentar un único proyecto, que debe de haber sido realizado con posterioridad a septiembre de 2008. Esta condición hace posible que VIDA cubra la
evolución, la innovación y el desarrollo de la disciplina de vida artificial.
Participantes:
Los artistas premiados en ediciones anteriores podrán presentarse de nuevo, así como
también los proyectos premiados en la modalidad Incentivos a la producción.
Inscripción y documentación:
Para inscribirse a esta modalidad, "Proyectos finalizados", deben leerse atentamente las BASES DEL CONCURSO y rellenar el FORMULARIO DE INSCRIPCIÓN. En esta edición se ha habilitado un formulario de inscripción on line al que se accede a través de la página web de Vida: www.fundacion.telefonica.com/vida. El proyecto deberá ir acompañado de una documentación gráfica que podrá adjuntarse en dicho formulario on line:
- VIDEO: un video de calidad profesional con una narración en español o inglés en la que deberá describirse el concepto artístico y la realización tecnológica del proyecto presentado. La duración del vídeo deberá ser de entre 5 y 10 minutos. Se deberá incluir un documento de texto con la trascripción de la narración del video.
- IMÁGENES: para participar en el concurso se requiere el envío de un mínimo de 5 imágenes del proyecto en alta resolución. El contenido formal y conceptual de la documentación audiovisual del proyecto es un factor que influye de manera decisiva en la decisión final del jurado por lo cual se recomienda que el material videográfico presentado tenga la mayor calidad posible.

www.fundacion.telefonica.com/vida.

lunes, 23 de agosto de 2010

Hasta la victoria, Berni



En el Museo Nacional de la avenida del Libertador decidieron extender esta muestra hasta el 3 de octubre. No hay que perdérselo.
El Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) pensó tres grandes muestras para celebrar el Bicentenario y una de ellas, dedicada a un solo artista: el justo elegido fue el gran maestro rosarino Antonio Berni, cuya exposición se extendió hasta el 3 de octubre por el notable éxito de público obtenido.

Esta muestra seleccionó una treintena de obras en el período abarca de 1931 a 1981, con lo más representativo de la obra, dividida de manera didáctica en varias secciones.

En la enorme sala donde se despliega esta exhibición hay un sector destinado a los retratos y un autorretrato, los personajes de grandes ojos y miradas tristes, de gran plasticidad.

Los años '30 son los comienzos de un triste período de nuestra historia, la "Década Infame”, que se inicia con el golpe militar que derroca a Hipólito Yrigoyen; en el contexto mundial se da en el '29 el crack de la Bolsa de Nueva York, que trae como coletazo una gran depresión económica, y a mediados de esa década se desata la guerra civil española, lo que aumenta y acelera la llegada de inmigrantes a la Argentina, lo que también coincide con un gran movimiento del campo a la ciudad y es el comienzo del asentamiento de las primeras villas.

Como hombre sensible que era, Berni asimila cómo los cambios económicos y políticos afectan negativamente a la sociedad y a través de su propuesta estética elije denunciar las injusticias por las que atraviesa gran parte de la población.

Hombre adherido al Partido Comunista, en las obras de este período hace una defensa activa en favor de los más desposeídos con grandes telas de arpillera en las que despliega imágenes orientadas a un realismo social emparentado con las imágenes y las técnicas del muralismo mexicano. Aquí, en la muestra del MNBA pueden verse dos obras emblemáticas de este período: “Manifestación” y “Chacareros”.

Berni crea dos personajes para contar la historia de quienes desde siempre quedaron fuera del sistema. Los personajes son “Juanito Laguna” y "Ramona Montiel", el primero un niño que vive de lo que encuentra en el basural donde está su casa precaria, en el bajo Flores; la segunda, una provinciana que llega con la intención de trabajar como costurera, es tentada a sacarle provecho a su cuerpo y su juventud y finalmente se dedica a la prostitución.

Berni realiza con collages tanto las series de Juanito como de Ramona, con elementos sacados de las mismas villas. Los trabajos resultan expresivos, con una gran carga de materia, pero no gozaron de críticas favorables en su momento cuando lo académico avalaba solo la belleza.

El artista habla de pobreza, de situaciones extremas que lejos están de ser bellas y los cuadros reflejan eso. Toma elementos del informalismo y de una tendencia del momento llamada figuración narrativa. Berni genera una coherencia entre el tema y los elementos que le dan vida.
En 1962 recibió el Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia con estos personajes.

La de Antonio Berni es una muestra que permite sumergirse en la obra de este gran maestro y en el modo como fue acompañando e interpretando desde la imagen la historia de la Argentina.

"El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte", dijo en una entrevista unos días antes de morir, en 1981.

En Av. del Libertador 1473. Hasta el 3 de octubre, de martes a viernes de 12.30 a 19.30 horas; sábados y domingos, de 9.30 a 19.30 horas. Entrada libre y gratuita.

Nota publicada el domingo 22 de agosto de 2010 en www.minutouno.com

lunes, 16 de agosto de 2010

Geometría en el siglo XX en la Daimler Art Collection, organizada por Mercedes-Benz Argentina



Daimler Art Collection presentó sus mejores obras de tendencia geométrica en el MALBA. "En la Argentina, el arte abstracto tiene una tradición importante y por eso la selección que hicimos para Buenos Aires tuvo en cuenta esta tradición", comentó Renate Wiehager, la curadora de la colección.

Entre las piezas que forman parte de esta colección figuran obras maestras de tendencia constructivista y minimalista y trabajos de los principales representantes de la Escuela Bauhaus, el constructivismo, el arte concreto, la abstracción, el minimalismo y el conceptualismo, todas tendencias que no sólo se desarrollaron y sucedieron a lo largo del siglo pasado, sino que extienden su influencia hasta el presente.

Cuatro núcleos temáticos articulan la exposición, que analizará las tendencias abstractas y minimalistas europeas y norteamericanas de manera conjunta. Se trata de Modernismo clásico, Vanguardia Zero, Minimalismo en Europa y América y Forma, línea, espacio.

Uno de los aspectos centrales de la Colección Daimler es que en cada ciudad donde se presenta es acompañada por un proyecto educativo. Este proyecto incluye tres propuestas vinculadas entre sí: visitas para grupos escolares de nivel primario, secundario y terciario; la entrega de un cuaderno de trabajo para cada estudiante y docente, diseñado especialmente para utilizar durante o luego de la visita a la exposición; y una charla para los docentes y los profesores que participen de las visitas.

Desde su creación, en 1977, la colección ha ido incorporando obras de gran relevancia que proponen un recorrido por las tendencias artísticas y las agrupaciones más importantes del siglo XX, con una clara orientación hacia posiciones abstracto-constructivistas, conceptuales y minimalistas. Tomando como punto de partida las tendencias fundamentales del modernismo del sur de Alemania, en la década del '90 incorporó además obras de jóvenes artistas americanos y europeos.

La muestra es una selección de más de cien obras y entre los 70 artistas cuyos trabajos participan de la muestra se encuentran Max Bill, Josef Albers, Hans Arp, Georges Vantongerloo, Jean Tinguely, Julio Le Parc, Jesús Rafael Soto, Robert Longo, Joseph Kosuth. E incluye parte de la mítica serie "Cars", de Andy Warhol.

Desde hace diez años la colección Daimler comenzó a incorporar arte latinoamericano, y este año hizo sus dos primeras compras de obras de artistas argentinos: una de Julio Le Parc y otra de la dupla rosarina Zinny/Maidagan, que se pueden ver en la exposición del Malba.

Hasta el 25 de octubre de lunes a viernes de 12.00 a 20.00 horas, sábados y domingos de 10.00 a 19.00 horas. Martes, cerrado. Avenida Figueroa Alcorta 3415
nota publicada el viernes 13 de agosto de 2010 en www.minutouno.com

sábado, 14 de agosto de 2010

Se publican las fotos más valiosas del álbum secreto de Frida Kahlo



Se publican las fotos más valiosas del álbum secreto de Frida Kahlo
Pocas veces el mundo del Arte se conmueve con un descubrimiento así. Son fotos que estuvieron ocultas durante medio siglo y que finalmente ven la luz tras discurrir el tiempo exigido en el testamento de Diego Rivera.

Los archivos fotográficos de Frida Kahlo eran también los de su marido y Rivera pidió a su albacea, poco antes de morir, que permanecieran ocultos hasta que pasaran 15 años desde su fallecimiento. Los armarios repletos de imágenes realizadas por la propia Frida y por sus amigos eran inaccesibles desde que la artista falleció en 1954, pero ahora se puede ver lo mejor de las 6.000 instantáneas que integran el inventario gracias al libro publicado por Pablo Ortiz Monasterio, que seleccionó cutrocientas.

‘Frida Kahlo, sus fotos’ es una obra llena de fotografías “vibrantes, familiares, artísticas, dedicadas, personales, inspiradoras, turísticas, trucadas, recortadas y algunas, solo algunas, hechas por la misma Kahlo”. Así es como las describe Gregorio Belinchón en el diario El País, que ha dialogado con Monasterio acerca de esta gran “cornucopia fotográfica”. Él describe las imágenes como “reflejo de una época y entrañable registro de una familia ampliada de gente talentosa". Y, aunque sólo cuatro de las 400 fotos pudieron ser obra de la propia Frida, su mano está en todas ellas, incluso en las que tomaron artistas de la talla de Man Ray, Brassai o Álvarez Bravo.

El libro, estructurado en siete capítulos temáticos, dedica uno de ellos a los orígenes de la artista y otro más a la obra de su padre, Guillermo Kahlo, un gran fotógrafo y amante del autorretrato.

El capítulo titulado ‘Cuerpo roto’, que enlaza directamente con la parte más conocida de su obra pictórica, comienza con una radiografía del torso de Frida, realizada tres meses antes de su fallecimiento. Después se pueden contemplar imágenes bellísimas, como el retrato en el que la pintora posa con gesto coqueto mostrando su cintura. "Son muy elocuentes para entender quién era Frida, cómo enfrentaba el dolor y la sensualidad”, dice el autor de la selección.

En otros retratos puede verse cómo tiraban de su cabeza para estirar la columna y se observan los aparatos utilizados para ayudar a la paciente, más cercanos a instrumentos de tortura que a tecnología creada para el alivio del sufrimiento. Es por eso que, cuando se cierra el libro, “uno piensa más en Frida mujer que en la artista”. Gregorio Belinchón cree que, incluso los más saturados con la doliente imaginería de la artista mexicana encontrarán un antídoto en este puñado de imágenes entrañables.
nota publicada en El País, 08/08/2010 (España)/www.artseleccion.com

viernes, 13 de agosto de 2010

BECAS Y CONCURSOS VIGENTES DEL FNA



BECAS NACIONALES Y PARA ARTISTAS Y ESCRITORES DEL INTERIOR DEL PAIS

El FNA otorga becas para apoyar y promover la producción creativa, la investigación y el perfeccionamiento de artistas y escritores para ser cumplidas en la República Argentina en las siguientes disciplinas: Artes Plásticas – Arquitectura - Medios Audiovisuales – Fotografía – Danza – Música - Expresiones Folklóricas – Artesanía – Teatro - Letras y Pensamiento.
Becas Nacionales: Cada beneficiario recibirá la suma de $7.500 (PESOS SIETE MIL QUINIENTOS). Becas para Artistas y Escritores del Interior del País: Cada beneficiario recibirá la suma de $10.000 (PESOS DIEZ MIL).
Cierra el 28 de agosto de 2010

DE CORTOMETRAJES “PREMIO ALBERTO FISCHERMAN”
Concurso para realizadores cinematográficos.
Primer Premio: $7.000. Segundo Premio: $5.000 y Tercer Premio: $3.000
Cierre: 31 de agosto de 2010


CONCURSO BICENTENARIO PARA JOVENES INTERPRETES DE LA MUSICA DE LOS SIGLOS XIX Y XX
Para grupos de jóvenes intérpretes de música de cámara de los siglos XIX y XX, desde dúos hasta sextetos.
Primer Premio: $10.000. Segundo Premio: $6.000
Cierre: 30 de septiembre de 2010

REGIMEN DE FOMENTO A LA PRODUCCION LITERARIA NACIONAL Y ESTIMULO A LA INDUSTRIA EDITORIAL
Para escritores en los géneros: cuento, novela, poesía y ensayo.
Primer Premio: $10.000. Segundo Premio: $7.000 y Tercer Premio: $5.000 en cada uno de los géneros.
Cierre: 31 de agosto de 2010

REGIMEN DE FOMENTO PARA EDICIONES DISCOGRAFICAS DE MUSICA FOLKLORICA ARGENTINA
Para apoyar la actividad creativa de intérpretes y compositores de música argentina de raíz folklórica.
Primer Premio: $12.000. Segundo Premio: $10.000 y Tercer Premio: $8.000
Cierre: 4 de octubre de 2010

REGIMEN DE FOMENTO A LA PRODUCCION DISCOGRAFICA DE MUSICA DE TANGO
Para apoyar el trabajo de intérpretes y compositores para contribuir a la edición discográfica de sus obras musicales.
Primer Premio: $12.000. Segundo Premio: $10.000 y Tercer Premio: $8.000
Cierre: 4 de octubre de 2010

Informes: 4343-1590 – Alsina 673 – 6º piso (1087) C.A.B.A.

www.fnartes.gov.ar

miércoles, 11 de agosto de 2010

Concurso de fotografía en Fundación Telefónica

Convocatoria 2010 para artistas Argentinos y Latinoamericanos


Del 15 de agosto al 1 de octubre
El 15 de agosto abre la convocatoria a artistas argentinos y latinoamericanos para la presentación de trabajos que serán expuestos en la tercera edición en el país de ArtFutura, el festival de Cultura y Creatividad Digital que explora los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del new media, motion graphics, videojuegos y la animación digital.

Si bien es la tercera vez que ArtFutura se realiza en Buenos Aires, por primera vez en la historia de este festival -que lleva más de veinte años celebrándose en España-, la capital argentina será la sede central de las actividades.

Hasta el 1° de octubre, los participantes podrán presentar, de manera gratuita, cortometrajes, videoclips musicales, ‘motion graphics’, videojuegos, trabajos en 3D, clips para Internet, y otras piezas de autor o por encargo, aunque puedan quedar fuera de los formatos estándar.

El formulario de inscripción y las bases del concurso se encuentran disponibles en www.artfutura.com.ar

Los trabajos seleccionados se exhibirán en la tercera edición argentina de este festival de cultura y creatividad digital que se llevará a cabo del 4 al 7 de Noviembre de 2010, con entrada libre y gratuita, en cuatro sedes de la ciudad: el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires –MALBA-, Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica en Buenos Aires y Centro Cultural de España en Buenos Aires.

SOBRE ARTFUTURA 2010
La edición de éste año tiene como protagonista principal el documental “We Live in Public”. Un extraordinario film sobre las redes sociales y la privacidad en Internet, que fue ganador de la pasada edición de Sundance y que forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

Dirigido por Ondi Timoner, el documental explora la experiencia de Josh Harris y su compañía Pseudo en el Nueva York de finales de los años noventa. Antes de que existiera la banda ancha y muchos de los servicios que hoy consideramos indispensables, Harris intuyó con gran clarividencia las consecuencias de nuestra nueva vida en Internet.

ArtFutura 2010 presentará en primicia el documental, subtitulado al español, y contará también con material exclusivo facilitado por el propio Harris, que participará en las conferencias de Buenos Aires.

En total serán más de ocho horas de imágenes de alto impacto, incluyendo también las últimas aportaciones en animación 3D, motiongraphics, videojuegos y efectos especiales.
+INFO
www.artfutura.com.ar
El trailer del documental We Live in Public disponible en www.weliveinpublicthemovie.com

martes, 10 de agosto de 2010

Asociación Adobe: arte solidario que genera trabajo




Enseñar a pescar y no regalar pescado es lo que propone la Asociación Adobe, una organización sin fines de lucro que desde el año 2001 focaliza su tarea en el monte santiagueño, y que fue creada para revalorizar y a su vez difundir la cultura del lugar.

La asociación permite recuperar saberes sobre la rica tradición textil generando una cadena de trabajo que beneficia a los criadores de ovejas, las hilanderas y las teleras, que al desarrollar esta actividad económica no tienen que alejarse de su lugar de origen.

Los productos son comercializados en la ciudad de Buenos Aires desde el amplio y elegante "Spazio Sumampa" en Arévalo 2976, del barrio de Las Cañitas, y es allí en donde se presentan los diez obras realizadas por destacados artistas y diseñadores para que sean transformadas en piezas de un metro por 0,50 en telar.

Los artistas y diseñadores convocados por Adobe fueron Benito Fernández, Isabelle Firmin Didot, Javier Iturrioz, Josefina Robirosa, Gracia Cutulli, Mariana Dappiano, Julio Oroppel, Milagros Resta, Teresa Pereda y Marcelo Senra, quienes estaban felices de ser parte de la iniciativa y allí tuvieron la oportunidad de ver sus ideas en las manos de quienes serán las responsables de llevarlas al telar, algunas de ellas muy jóvenes pero con experiencia de toda la vida.

Los trabajos terminados serán expuestos a partir del 22 de septiembre y lo recaudado será destinado totalmente a la entidad.

Hasta entonces podrá verse en "Spazio Sumampa" lo producido, tanto en alfombras como en tapices, de excelente y gran colorido. También se hacen con medidas a pedido y ya llevan entregados varios trabajos que llegaron a los 25 metros lineales de alfombra.

Esta iniciativa convierte el saber ancestral en un oficio a través de una escuela de artes y oficios con el fin de revertir la falta de oportunidades y migración hacia centros urbanos, fortaleciendo la autoestima y, en definitiva, brindado las herramientas para “pescar” su propio sustento.

"Spazio Sumampa", galería textil, en Arévalo 2976 (www.asociacionadobe.com).

Nota publicada el lunes 9 de agosto de 2010 en www.minutouno.com

viernes, 6 de agosto de 2010

XVI Encuentros abiertos Festival de la Luz



"Migraciones, identidades en tránsito" es el lema de esta edición del evento de fotografía.
"Tu cristo es hebreo. Tu auto es japonés. Tu pizza es italiana. Tu democracia, griega. Tu café, brasileño. Tus vacaciones, turcas. Tus números, árabes. Tu alfabeto, latino. Sólo tu vecino es extranjero".

Este manifiesto alemán fue el elegido para ilustrar el concepto de "Migraciones, identidades en tránsito", el lema de la 16a. edición del Festival de la Luz.

Esta iniciativa hace circular la fotografía argentina hacia el mundo, busca descubrir talentos emergentes, confirma la permanencia de los artistas conocidos y presenta las distintas direcciones que la fotografía va adquiriendo en el mundo en el campo de la fotografía artística.

Organizado por la Fundación Luz Austral, se transforma en lugar de legitimación de la actividad fotográfica de la región, y también es un espacio de acercamiento e intercambio entre los fotógrafos latinoamericanos y se erige como un megaevento en la ciudad de Buenos Aires relacionado a la fotografía.

La primera inauguración oficial se realizará el martes 3 de agosto a las 19 horas en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) con una muestra del fotógrafo húngaro Brassai.

El Festival of Light o Festival de la Luz es una asociación integrada por 28 festivales de fotografía de todo el mundo. Su principal objetivo es crear lazos internacionales de cooperación e intercambio que propician la difusión de la fotografía artística del país al mundo, y viceversa, en un permanente y enriquecedor intercambio de miradas.

Con motivo de festejarse el 150º aniversario de la creación de la fotografía y su presentación ante la Academia de Ciencias de Paris, la Escuela Argentina de Fotografía y la revista Fotomundo decidieron organizar en agosto de 1989 un Encuentro Abierto, inspirado en los Rencontres de Arles.

Así surgieron los primeros Encuentros Abiertos de Fotografía, con el propósito de crear un espacio de intercambio y comunicación entre fotógrafos de todas las disciplinas, lugares y orígenes, convocados a través de gacetillas en los medios.

Dado el éxito de participación y los muchos pedidos de continuidad, se decidió seguir adelante con lo que había comenzado como un evento aislado. Desde entonces, y durante diez años consecutivos, se organizaron en el mes de agosto los Encuentros Abiertos, que más tarde, dada la envergadura que habían adquirido, se convirtieron en bienal.

Participan de esta agrupación los Festivales de las ciudades de Aleppo, Ballarat, Birmingham, Braga, Brasilia, Bratislava, Brianza, Buenos Aires, Cracovia, Houston, Kaunas, Lodz, Luxemburgo, México, Montreal, Odense, Paris, Portland, Río de Janeiro, Rotterdam, Tampere, Tenerife, Thessaloniki, Toronto y Xalapa.

Con cientos de sedes oficiales y otras adherentes este festival se realiza en todo el país, excepto en Formosa, Corrientes y Santa Cruz. En la ciudad de Buenos Aires se pueden visitar el Espacio de Arte de la Fundación OSDE con la exhibición de los trabajos de Josef Koudelka; el Centro Cultural Recoleta; el Centro Cultural Borges; el Espacio Itaú Cultural y la Casa de la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Se realizarán además distintas actividades que incluyen intervenciones urbanas en la Plaza Dorrego de San Telmo, la Plaza San Martín y la calle Florida, que serán escenarios de estas muestras que buscarán "provocar al transeúnte distraído".

Para más detalles en http://www.encuentrosabiertos.com.ar
Nota publicada el lunes 3 de agosto de 2010 en www.minutouno.com

martes, 3 de agosto de 2010

Banderas y poemas, el arte desnudo de Ricardo Roux


Es uno de los exponentes del expresionismo abstracto en Argentina. Artista plástico, pintor y muralista, expone desde 1965 y recibió numerosos premios, entre ellos, el 1° y 2° Premio del Salón Municipal "Manuel Belgrano" y el 2° premio del XCVI Salón Nacional de Artes Plásticas de este año. En 2006 publicó su libro “Ricardo Roux”, en el que hace una recopilación de treinta años de trabajo. Sus obras forman parte de museos y colecciones privadas del país y del extranjero. Vive y trabaja en Buenos Aires, y en esta ocasión habló con de su actualidad creativa.

¿Por qué se inauguran dos muestras el mismo día?

En general, trato de hacer una muestra para mi cumpleaños, por pequeña o grande que sea, porque es una buena ocasión para reunir a los amigos. Alberto, de la galería “El perro Verde”, me invitó a hacerla en su lugar y yo cumplí el martes 27 de julio, pero como el lugar inaugura los sábados lo festejo ese día. A los pocos días apareció el ofrecimiento de Julio Lavallén, quien me dijo que tenía una fecha en su espacio y quería que hiciera una muestra ahí. Pero una inaugura al mediodía y la otra a las 17, y ambos son lugares alternativos: uno en Chacarita y otro en Villa Crespo, a cinco cuadras de distancia. La idea es ir todos juntos de uno a otro lugar.

En cada lugar muestra algo diferente, ¿cómo nacieron estas series?

La primera serie fue el tema de las banderas. Hace dos años se cumplieron 50 años de la Declaración Universal de los Derechos Humanos y Amnesty me convocó, junto a otro artistas, a ilustrar uno de los 30 artículos y yo elegí el Derecho a una nacionalidad. Y elegí una bandera por el tema del color, porque a mí me apasiona el color, y a partir de un pequeño trabajo que hice para ellos me entusiasme muchísimo. El primer trabajo fue el de las banderas del mundo, después se fue armando aleatoriamente por sectores: Europa; en África, en el norte, hay muchas con lunas y estrellas, en Medio Oriente hay mucho negro, rojo y blanco, en el Caribe todas tienen estrellas, la de Cuba y la de Puerto Rico son iguales , pero con los colores invertidos. Trabajé durante ocho meses y cuando estaba haciendo la última, eran dos medias banderas africanas de dos países que están siempre en guerra, pero no me gustaba y terminé escribiendo lo que pensaba y despotricaba sobre la tela. Y salió la otra serie que llamé “poemas”, que son textos, algunos parten de alguna palabra, una canción, de mis discusiones con el periodista que habla por radio o discusiones conmigo mismo, o antes de ir o venir de la terapia y es una cosa catártica. Uno piensa todo el tiempo y como es difícil parar de pensar, trato de escuchar mi voz interior.

¿La política y el arte son compatibles?

La política y el arte, el arte y la ideología, durante muchos años fueron un problema para mí. Finalmente me di cuenta de que el arte utilitario no es arte, el arte al servicio de la arquitectura, de la política, no es más que panfleto. Yo creo que los artistas que lograron llevar su ideología al arte son Carlos Gorriarena o Juan Carlos Romero. En mi caso, mi herramienta, mi ser está en el arte, mi ideología está en mis acciones, en lo que apoyo, con las solicitadas que firmo con los cuadros que presento para determinado evento que tenga que ver con una tendencia. El panfleto no me interesa para nada, tengo un pensamiento de izquierda, sin ser un militante, pero pintar como Ricardo Carpani no es lo mío. Lo más importante es la honestidad con uno mismo y yo no puedo hacer en pintura algo que yo no pienso.

¿Cómo es la relación de tu cuerpo con el arte?

Cuando era joven era un deportista competitivo, jugaba al voley, estaba en la tercera de un club, hacia atletismo y era artista conceptual: participaba en el Grupo de los Trece en el CAYC. Cuando me fui al exilio, en España, presenté para la Fundación Miró, en una muestra colectiva, una obra que era un montículo de tierra española, que es media rojiza-ocre, y en el centro una valija blanca mate, y en medio de ésta, un montículo de tierra negra que representaba el exilio. En España tuve un maestro que me enseñó a entender el concepto de energía, porque en Occidente el uso de la fuerza es para conseguir logros. Pero el concepto de energía es mucho más fino que eso, se entronca en un pensamiento místico: tu energía y el espíritu es la misma cosa. Se puede focalizar la energía, la cuestión es un equilibrio económico de la energía que entra y de la energía que sale. Si uno se queda con la energía se enfermar, puede producir desde dolores musculares, hasta ulceras y cáncer. La energía que está bloqueada tiene que expresarse, salir, y ese contacto modificó mi relación con el arte. Yo sabía que tenía mucho que expresar, lo mío no era lo intelectual, soy muy temperamental, era de los que se llevaban el mundo por delante.
Lentamente comencé con unos pasteles, con ejercicio de la mano, sin ordenar, como si fuera diseño. Luego se fue ampliando con el brazo y con el cuerpo. Allá por el '82, en la época de Malvinas, empecé con tamaños grandes, para expresarme con todo el cuerpo, que es lo que más me gusta. Y no paré y la gente me reconoce por esto. El arte original, cuando más se parece a vos, mejor es.

Este año recibó el 2° premio Salón Nacional de Artes Plásticas. ¿Le gusta que lo reconozcan?

Si me gusta, aunque los premios son casuales, son caprichosos, un premio por correr los100 metros, es más claro: gana el que llega primero, pero los premios debieran darse a las obras que más se parecen a quienes las hicieron.

¿Y cómo se hace para que se parezca al autor?

Con entrenamiento, el arte se aprende frecuentándolo, sin tener prejuicios en el sentido de ir como despojado, sin llevar el preconcepto. Para que sea arte tiene que ser así, de esta manera, sino no es arte. Pararse como desnudo frente a la obra, y si la obra tiene algo que decir que lo diga.

Inauguraciones: sábado 31 de julio. Serie "Poemas", a las 13 horas, en “Almacén Secreto”, ubicado en Aguirre 1242. Serie "Banderas", a las 17 horas, en “El Perro Verde”, en Dorrego 1230. Ambas finalizan el 26 de agosto
Nota publicada en www.minutouno.com el viernes 31 de julio de 2010