sábado, 28 de noviembre de 2009

Emilio Reato: “Lo mío es de un realismo improbable”



Crea utopías, paisajes de playas inundadas de color caramelo como si los recuerdos las endulzaran. En ellas conviven los muñecos inflables con personajes como Astroboy o alguna chica Superpoderosa, lo que genera una tensión entre lo artificial y la naturaleza. Los colores pastel surgen dentro de una búsqueda de materiales, conjugando pintura industrial sobre madera, la que esta aplaca lo saturado y lo suaviza.

Reato siente respeto por los personajes: aún hasta los más imperceptibles está claro que fueron hechos con cariño.

“No me propongo un análisis social pero en la playa conviven los que disfrutan y hasta los que trabajan, como los vendedores ambulantes”, explica el artista, que se preocupa por la composición y por cual será la circulación de la mirada dentro de sus obras.

Reato se siente como un “medium” a quien las imágenes se le aparecen, desde recortes de diarios hasta la web, incluso cree que a veces es una condensación de los recuerdos. A este pintor no le gusta ser realista descriptivo sino que en sus obras parece haber una memoria de una atmósfera. Él cree que termina siendo como un momento de ensueño y que la imagen te lleva a ese punto. “Lo considero un realismo improbable pero a la vez es cierto, sin caer en el surrealismo”, apunta.

Cuando era adolescente y hacía la escuela de arte había mucha preocupación por la temática social y mientras Reato viajaba en tren dibujaba a los chicos durmiendo en los vagones. “Esa era una obra más expresionista, si se quiere, pero frente a esa postura de como mostrar la realidad yo no me siento nadie para andar bajando línea, yo me invento las imágenes”, añade.

No trata de decirle nada a nadie pero disfruta cuando hay gente que reconoce su estilo, porque sólo se presentaba en salones aunque tiene mucha producción. “Me interesa más la historia –revela-: yo cuento historias a través de la pintura”. Reato se siente pintor porque maneja desde hace veinte años cosas del oficio, pero le gusta la escultura y eso lo lleva a la tela por medio del claroscuro.

Para completar, apunta: “Siento que mis obras son como fotogramas de una película, son como recortes cada veinte minutos de una misma película, creo que también me encantaría hacer cine”.

Nota publicada en www.minutouno.com el sábado 28 de noviembre de 2009.

viernes, 27 de noviembre de 2009

Los pibes de la calle


Nueva muestra de concientización encabezada por Caloi y organizada por Apoc y Ospoce.
Para continuar con la concientización, La Asociación del Personal de Organismos de Control de la Nación (APOC) inaugurará su nueva Galería de arte contemporáneo, Pasaje17, con una muestra encabezada por Caloi,con trabajos de Crist, Daniel Paz Jorh, Kappel, Langer, Maicas, Marito, Max Aguirre, Parés, Pati, Peni, Rep, Sábat, Sendra, Tabaré, Tute, Wolf/Toul. Titulada "Los pibes de la calle".
Fecha de inauguración 26 de Noviembre 2009 hasta 26 de febrero 2010
Bmé Mitre 1559, lunes a viernes de 11 a 19 hs.

jueves, 26 de noviembre de 2009

Muestra de Alumnos del UMSA


Muestra colectiva de los alumnos de la UMSA 3º y 4ª año de la carrera de artes visuales, 4º año de curaduría. Participan también 2ºaño de Conservación y Restauración de Bienes Culturales y 3º de Muselogía y Gestión del Patrimonio Cultural.
Apropiación, ensoñación y técnicas es el nombre que eligieron para esta muestra. En el catalogo figura unas palabras tomadas del libro Después del fin del arte de Arthur Danto que dice : “Hoy los artistas no consideran que los museos estén llenos de arte muerto, sino llenos de opciones artísticas vivas”. De está manera, apropiarse es mucho más que tomar determinados elementos de una obra existente como base de inspiración. Se produce una suerte de antropofagia en la imagen apropiada que permite tener nuevas lecturas en nuevos públicos.
Con diferentes técnicas y temáticas una buena muestra para quienes están comenzando su camino por el mundo del arte. Buenos trabajos de los que destacó los de Agustina Piasentini toma al gauchito Gil como protagonista de su obra, Cecilia Martínez combina un desnudo femenino con gran realismo sobre un fondo abstracto. Dedionigi Federico un paisaje urbano en día de lluvia y un enigma para encontrar. Interesante grabado a la mezzotinta de Pablo Roldán. Victoria Eidelztein tambien en un grabado pero elige expresarse a través de aguatinta con un par de mujeres de un línea suelta.
Gabriela Ballestra realiza una foto digital de un insinuante paisaje de planta sobre una ventana. Leandro Martínez presenta un acrílico con textura de arena en un paisaje urbano de un atractivo amarillo furioso. La muestra puede visitarse hasta el 14 de diciembre en la Sede la Facultad de Artes y Ciencia de la Conservación. Sarmiento 1565.

viernes, 20 de noviembre de 2009

San La Muerte, el Gauchito Gil y Evita, juntos en una muestra




Cuando lo pagano se mezcla con lo religioso aparecen ídolos populares que, incluso, no hace falta que esté probado que hayan existido. Esta exposición abre la puerta a todos los personajes de este acervo cultural.

Inaugura hoy la muestra colectiva sobre “Mitos y leyendas”. A través de los complejos universos de la construcción colectiva, los llamados mitos, las civilizaciones han conservado los aspectos más profundos del espíritu del hombre: sus temores, sus miedos, sus fantasías y sus esperanzas.

Todas estas figuras canalizan fantasías colectivas, encarnan los sueños y las aspiraciones sociales en un mundo urgido de modelos ejemplares. Y el pueblo sabe reconocerse en estas expresiones.

Nuestro país, como el conjunto de América Latina, es antes mitos que logos, pasión que razón, y resume todos los sincretismos raciales, culturales y religiosos. Tierra pródiga de pluralidades y sensibilidad, la creatividad de su pueblo ha generado tópicos en la sinuosa frontera en la que se confunde lo sagrado con lo profano. La construcción de las mitologías y leyendas resume su imaginario cultural, su memoria e identidad.
La exposición puede verse hasta el 18 de diciembre en las Salas Federales del Consejo Federal de Inversiones (CFI), San Martín 857, de Lunes a viernes de 12 a 19 horas. La entrada es libre y gratuita.
Nota publicada el 19 de noviembre de 2009 en www.minutouno.com

lunes, 16 de noviembre de 2009

98ª Salón Nacional Dibujo y Escultura




Hasta el 6 de diciembre estará abierto el Salón Nacional de Artes Visuales con las obras premiadas y seleccionadas en las disciplinas de Dibujo y Escultura.


El Gran Premio en Dibujo fue para Pablo Páez Riva, mientras que el Primer Premio fue para Carlos Fels. En Escultura, Oscar Stáffora obtuvo el Gran Premio y Claudia Aranovich el Primer Premio.

El Salón Nacional de Artes Visuales es el concurso más importante de las artes plásticas de la Argentina. Compromete la participación de artistas de diversas regiones del país y supone un estímulo constante para la experimentación y la creación en las ocho disciplinas en las que otorga premios y menciones: Arte Cerámico, Arte Textil, Dibujo, Escultura, Fotografía, Grabado, Nuevos Soportes e Instalaciones y Pintura.

Este Salón se realiza anualmente desde 1911, y desde 1932 tiene su sede en el Palais de Glace. Los jurados que intervienen en cada una de las disciplinas están integrados por reconocidos artistas y las obras premiadas con carácter de adquisición se suman al patrimonio de la Secretaría de Cultura de la Nación.

En esta 98va. edición se han recibido 254 obras en la disciplina Dibujo, 60 de las cuales han sido seleccionadas para su exposición en las salas del Palais de Glace, y se han adjudicado cuatro premios y cinco menciones. En Escultura, de los 166 trabajos presentados, 43 han sido seleccionados para exhibición y se han entregado cuatro premios y cuatro menciones

El Palais de Glace está en Posadas 1725 y el Salón puede visitarse de martes a viernes, de 12 a 20, y sábados, domingos y feriados de 10 a 20. Lunes cerrado.

www.palaisdeglace.org


www.cartonpìntado.com


www.carton-pìntado.blogspot.com

nota publicada en www.minutouno.com lunes 16 de Noviembre de 2009

domingo, 15 de noviembre de 2009

Premio Itaú a las artes visuales 2009 / 10


Premio Itaú Cultural El Premio Itaú Cultural está organizado por la Fundación Itaú Argentina (e.f.) a solicitud de Banco Itaú Argentina S.A., para promover la creación de artistas emergentes no consagrados de todo el país.

Tres obras premiadas pasarán a formar parte del patrimonio artístico del Banco, y una selección final de obras será exhibida en una o más muestras.

Los premios son:
Primer Premio: $15.000 Segundo Premio: $10.000 Tercer Premio: $ 7.000

Para participar, cada artista deberá registrarse y subir la imagen de la obra en el sitio del Premio – al cuál se podrá acceder desde esta misma dirección, cuando se abra el concurso. De esta forma se intenta brindar posibilidades a artistas de todo el país.

El Jurado de Selección estará integrado por profesionales formados en la evaluación y crítica de las artes. Se procura que todas las ciudades del país en las que hay una sucursal del Banco estén representadas en el Jurado.

El Jurado de Premiación estará formado por tres profesionales reconocidos, quienes definirán los tres premios, de entre alrededor de 30 obras elegidas por el Jurado de Selección. Los integrantes de ambos jurados son distintos.

El plazo de inscripción de las obras es del 16 de octubre al 30 de noviembre de 2009. La decisión del Jurado de Premiación se publicará a mediados del año próximo.

Para más información, consulta las Bases y Condiciones.

Ingresá a www.premioitau.com.ar y subí tu obra.

viernes, 13 de noviembre de 2009

"Noche de los Museos"



Noche cultural bajo las estrellas

Mañana, desde las 20 y hasta las 2, se realizará una nueva "Noche de los Museos" con danzas, teatro, música en vivo, charlas, narraciones orales y perfomances.

Luego de la gran convocatoria lograda en las ediciones anteriores, mañana sábado se celebrará en Buenos Aires "La Noche de los Museos 2009" , y la fecha de esta gran fiesta del arte porteño coincide esta vez con la "Noche" de Río de Janeiro.

Esta "movida" cultural se celebra en 130 ciudades del mundo que copiaron el modelo de Berlín, que organizó en 1977 la primera noche de los museos.

Abren sus puertas desde las 20 y hasta las 2 de la madrugadamás de 150 museos, espacios de arte, lugares públicos y parques. Para esta edición se suman barrios como Villa Luro, Flores, Colegiales y Coghlan, y espacios porteños como Polo Circo, Museo de los Túneles Santa Felicitas y el Templo Escondido, Museo del Hospital Muñiz, Templo Hare Krishna, Museo de Ana Frank, Museo del Colectivo y Museo del Regimiento de Granaderos a Caballo, entre muchos otros.

En cada barrio se podrá disfrutar de esta sexta edición en la que más museos y espacios culturales desplegarán el potencial de una ciudad que construye una identidad abierta e inclusiva.

La Noche de los Museos de Buenos Aires permite disfrutar de la cultura junto a medio millón de personas que recorren cada vez más barrios porteños en una misma noche, disfrutando de exposiciones, visitas guiadas, cine, video, danza, teatro, música en vivo, charlas, narraciones orales y perfomances.

Para la edición 2009 suman sus aportes los partidos del conurbano de Maipú y Vicente López y las provincias de Catamarca y San Luis. Del mismo modo, los museos de Madrid harán una muestra al aire libre en Puerto Madero del Paseo del Arte, uno de los espacios de mayor concentración de riqueza artística del mundo.

Además, en esta sexta edición de 11 líneas de colectivo involucradas se pasó a 21, y se sumó al tranvía de Puerto Madero para que pueda transportar sin cargo a la gente de un lugar a otro.

También se preinaugura el Museo Borges, que funcionará en Anchorena 1660, donde se expondrán objetos, libros y manuscritos a modo de pequeña antología de la vida y temas principales de la obra de Borges. Sobre la fachada del museo, se proyectará el video "Paseo por el Aleph de Borges", que cuenta la historia de la Fundación que lleva su nombre desde sus comienzos y hasta la actualidad.

Para consultas http://www.lanochedelosmuseos.com.ar.

martes, 10 de noviembre de 2009

Andy Warhol o la idolatría del dólar



La muestra del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987) en el Malba nos da la bienvenida con una serie de fotos polaroids que comienza con la de un “Tío Sam” que nos recluta con su índice. Luego le siguen algunas de las sesiones en las que a Warhol le gustaba vestirse de mujer. Este provocador consuetudinario sabía que eso era importante para ser parte del chusmerio neoyorquino, y sabía que era bueno estar dentro de la farándula.

El espacio del museo para esta exposición está dividido en diferentes secciones: en la primera se presentan serigrafías con diez clases de gustos de las famosas sopas Campbell´s con la idea de que el arte estaba en cualquier parte. Warhol le vendió a sus compatriotas (y al mundo) una lata de esas sopas por más de 10.000 dólares (Dicho sea de paso, se trataba del mismo producto que se compraba en el supermercado a un dólar). Sucede que supo desde siempre que en el arte, precio y valor van de la mano: a más precio, mayor valor artístico. Por eso era bueno comprarle las sopas a él y no en el súper. Warhol se basaba en la premisa de Marcel Duchamp: arte es arte en cuanto hay alguien que lo legitime.

En las paredes del malba hay un mini Andy que nos habla con cierto cinismo: “Quería pintar nada, buscaba algo que fuera la esencia de la nada y eso era”. En otro recinto se ve un tema recurrente en este artista, la muerte, y la fascinación del conjunto de la sociedad hacia ella. Warhol copiaba fotos de accidentes de las tapas de los diarios, con muerto incluído, basándose en el éxito que tenía la prensa amarilla. Tampoco faltan las serigrafías sobre las sillas eléctricas, donde las ejecuciones son seguidas por fanáticos capaces de pagar una entrada como si se tratara de un espectáculo. “La muerte resulta tan natural que ya no causa ningún efecto negativo”, acota Andy.

En las serigrafías de la serie “Los treces hombres más buscados”, los delincuentes son figuras mediáticas que no reciben desprecio sino que son vistos como estrellas, y la gente quiere estrellas, según Warhol. Desde un políptico (obra compuesta por muchos cuadros) puede verse una muerte emblemática, la de John F. Kennedy.

“Me parecía increíble tener un presidente como Kennedy, apuesto, joven, inteligente, pero su muerte no me afectó demasiado. Lo que me molestó era la manera en que la televisión y la radio programó todo para que el mundo sintiese tristeza”, diría un frívolo pero a la vez lúcido Warhol.

La de Marilyn Monroe, otra muerte icónica, tiene su espacio en esta muestra. Se trató de un suicidio que congeló para siempre una belleza y que, tal como en el caso de Kennedy, la muerte los fijó en su potente juventud, eternamente.

También hay una sala empapelada con vacas y sobre las paredes obras que capturan figuras simbólicas del comunismo como Mao y Lenin ¿Será realismo capitalista? En rigor, creo que se burla de ambos sistemas en plena Guerra Fría porque Warhol se mueve como pez en el agua dentro del sistema capitalista, aunque descreía de él, y por otro lado en The Factory (una especie de laboratorio social creado por el artista en el que ricos y pobres se mezclaban) se trabajaba de manera colectiva, como en una fábrica.

La imagen de un joven Marlon Brando y la proyección de un tierno buen mozo que fuma desde una filmación llamada “Mamada”, en una pantalla gigante, contrastan con una frase que desde las paredes nos dice que “el sexo es una ilusión” y que lo más excitante es “no tener relaciones sexuales”.

Alguna vez, algo falto de ideas, Warhol consultó a más de quince personas sobre qué hacer. Una de ellas le preguntó qué era lo que más le gustaba y Warhol respondió: “El dinero”, y allí comenzó a serigrafiar billetes de un dólar.

Entendía que los quince minutos de fama le reportarían montañas de billetes de verdad, no los que serigrafiaba. Este artista que era capaz de autodefinirse como un ser “profundamente superficial”, este “Mr. América”, como se tituló esta muestra, fue un artista multifacético que descreyó de todo con un cinismo refinado.

En Av. Figueroa Alcorta 3415, hasta el 22 de febrero de 2010. Entrada: $ 15 (los miércoles, $ 5). Los martes, cerrado.

Nota publicada en www.minutouno.com el martes 10 de Noviembre de 2009

viernes, 6 de noviembre de 2009

Astica, Páez Riva, Videla, Stupía y Sturgeon


Blanco & Negro

Vale la pena darse una vuelta para ver las obras de Pablo Páez Riva (recientemente premiado en el Salón Nacional) y Juan Andrés Videla, dentro de una muestra colectiva que comparten con los artistas conceptuales Juan Astica, Eduardo y Stupía, Richard Sturgeon, de los que no entiendo la propuesta y tampoco me resultan interesantes visualmente .
Todas las obras son en blanco, negro y la mezcla de ambos.

En Empatía Carlos Pellegrini 1255.

Nueva York autoriza la nueva sede del MoMA




La Alcaldía de Nueva York autorizó la construcción del nuevo rascacielos con el que se ampliará el Museo de Arte Moderno (MoMA). Se trata de un proyecto del francés Jean Nouvel que se levantará en un terreno adyacente al actual edificio. Con sus 82 pisos y más de 300 metros de altura, la Torre MoMA permitirá ampliar la superficie expositiva del museo en un 30 por ciento. El resto de la construcción albergará 150 viviendas de lujo y un hotel con 100 habitaciones.

jueves, 5 de noviembre de 2009

Esculturas realizadas con Lego



Nathan Sawaya dejó su profesión de abogado para convertirse en un extravagante artista. Usa los bloques Lego para fabricar increíbles figuras.
Era un exitoso abogado en Nueva York. Pero luego de diez años de carrera, Nathan Sawaya decidió dejar de lado su oficina para concretar un sueño que tenía desde la niñez: construir piezas de arte usando Legos.

Siendo abogado Sawaya utilizaba el arte como una manera para distenderse, realizando esculturas con distintos tipos de materiales, desde arcilla hasta caramelos. Pero el hobbie se convirtió en realidad en 2004 luego de ganar un concurso organizado por la empresa Lego, en el que se buscaba la mejor estructura construida con estos famosos bloques. Ese año renunció a su trabajo y se convirtió en constructor para la empresa de juguetes.

Hoy cuenta con un taller propio en Nueva York y sus esculturas se venden por más de 10 mil dólares. La cantidad de bloques que lleva cada escultura depende del tamaño de la pieza pero según el artista, la más grande que realizó contaba con más de medio millón de bloques.
Algunas de sus piezas tardaron más de dos años en estar terminadas, y se volvieron tan populares que incluso hasta Donald Trump ya hizo su encargo. Mirá la página oficial del artista http://brickartist.com/.

martes, 3 de noviembre de 2009

Arte en el lago Titikaka


Arte en el lago Titikaka: la cerámica de la Isla de Pariti,
Del 3 al 15 de noviembre de 2009
Sala 100 de Arte Precolombino Andino -1er. piso
Martes a viernes de 12:30 a 20:30 / Sábados y domingos de 9:30 a 20:30
Avenida del Libertador 1473. Entrada libre y gratuita


El Museo Nacional de Bellas Artes presenta Arte en el lago Titikaka: la cerámica de la Isla de Pariti, una selección de 30 piezas, de un total de 104, que se encuentran en custodia del Museo Nacional de Arqueología ( MUNARQ) de Bolivia.

Es la primera vez que se expone este conjunto fuera de su país, exhibición organizada por la representación diplomática boliviana en la Argentina.

En agosto de 2004, un grupo de arqueólogos boliviano-finlandeses liderados por Jédu Sagárnaga y Antti Korpisaari, descubrieron un altar ceremonial con un bolsón de cerámicas arqueológicas y huesos de animales en la Isla Pariti, una de las más pequeñas del lago Titicaca. Las cerámicas presentan una decoración pintada e incisa, característica de la cultura del altiplano boliviano conocida como Tiwanaku o Tiahuanaco (1500 a.C. al 1250 d.C. en la cuenca del lago Titicaca) reputada principalmente por su arquitectura e iconografía artística, cuya influencia llegó hasta el actual Noroeste Argentino.

Los arqueólogos hallaron una ofrenda ceremonial, es decir, un cúmulo de objetos rituales que en determinadas fechas eran quebrados intencionalmente y luego arrojados a un hueco. Probablemente era parte de una ceremonia dedicada a alguna deidad tutelar. Los objetos no reflejarían un solo y mismo evento ya que el hueco se tapaba con tierra parcialmente y a lo largo de diez o veinte años se echaban en él nuevos materiales.

Los fechados radiocarbónicos de las cerámicas son seis hasta el momento, ubicándolas entre el 900 y el 1050 de nuestra era, correspondiente a la época Terminal de Tiwanaku.

Entre las treinta piezas de cerámica en exposición se pueden apreciar vasijas con o sin pedestal, ch´alladores, keros y huacos retratos, decoradas con diferentes motivos zoomorfos, antropomorfos y geométricos. Se destacan las vasijas modeladas con formas masculinas, femeninas y zoomorfas, incluyendo animales míticos y una vasija arriñonada de base anular con motivos geométricos escalonados.