viernes, 29 de enero de 2010

Curadores, ¿héroes o villanos?



Hoy definen el carácter de las bienales y suelen ser los legitimadores de determinadas corrientes del arte contemporáneo. La pregunta, y la consiguiente polémica, está instalada también en nuestro medio. Entrevistados por Ñ, artistas, galeristas, curadores y críticos exponen su punto de vista.
Por: Marina Oybin publicado viernes 29 de 2010 en Revista Ñ.

http://www.revistaenie.clarin.com/notas/2010/01/30/_-02129021

jueves, 28 de enero de 2010

En el nombre de Picasso


El acto de ponerle el nombre a un hijo, no es menor, será con lo que tenga que cargar, para siempre. A veces se usó como un homenaje a los antepasados, el nombre de un abuelo, un tío o alguien cercano en los afectos. Pero lo de la familia de Picasso, no tiene nombre o mejor dicho tiene muchos, casi como un rey.
Por si no lo sabías Picasso uso el apellido de madre y el primer nombre de su larguisima lista
Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.

Gracias a la escuela de periodismo TEA y Deportea

Por haberme incluido en su "Blog de Blogs" como uno de los mejores.
http://www.blogsdeteaydeportea.com/blogs/437-nanu-zalazar.html
http://www.blogsdeteaydeportea.com

lunes, 25 de enero de 2010

Una mujer se cae y rasga un cuadro de Picasso


La obra fue pintada durante el invierno europeo de 1904 a 1905. Cuesta varios millones de dólares en el mercado legal del arte.

Un cuadro del pintor español Pablo Picassofue dañado por una mujer que daba una clase a adultos en el Metropolitan Museum of Art (MET), en Nueva York, al perder el equilibrio y caer sobre la obra.

El hecho ocurrió durante una clase de arte en la tarde del viernes pasado, y la obra terminó con un tajo de 15 centímetros de largo en la parte inferior de la tela.

La obra se llama “El actor”, se trata de un acróbata delante de un telón abstracto y fue pintada durante el invierno europeo de 1904 a 1905.

El cuadro marca la transición de Picasso del llamado “período azul” hacia el “período rosa”.

“El actor” no tiene cotización porque pertenece al patrimonio del museo, pero las obras como esta cotizan en varios millones de dólares en el mercado legal del arte.

“Felizmente, el daño no sucedió en ningún punto focal de la composición y el equipo de curaduría y conservación cree que el arreglo será realizado en las próximas semanas y será discreto”, señala un comunicado divulgado ayer domingo.


Según el MET la pintura fue inmediatamente llevada para su restauración, pero no suministraron detalles sobre la identidad de la mujer que se cayó sobre el cuadro ni tampoco como se produjo el accidente. Tampoco se divulgó la imagen del daño causado en la pintura.



“El actor” mide 1,80 por 1,20 metros y su restauración debería ser rápida porque será parte de una exposición sobre Picasso que comienza el 27 de abril en el propio MET, junto a otras 250 obras.

La Argentina, país de tránsito y saqueo

Los expertos señalan fallas en materia de seguridad, registro y catalogación de sitios y bienes

lanacion.com | Enfoques | Domingo 24 de enero de 2010

viernes, 22 de enero de 2010

Unas cartas de Van Gogh revelan que no estaba tan loco



Una exposición en la Academia Real de Londres busca profundizar el conocimiento de la gente en torno al maestro posimpresionista Vincent Van Gogh con la exhibición, no sólo de sus pinturas y dibujos, sino también de gran parte de su correspondencia.
El pintor holandés escribió cientos de cartas durante su productiva carrera como artista, muchas de ellas dirigidas a su hermano Theo, un comerciante de arte que lo ayudaba económicamente.
La muestra "The Real Van Gogh: The Artist and his Letters" estará abierta entre el 23de enero y el 18 de abril.
La exposición incluye más de 35 cartas originales raramente exhibidas en público debido a su fragilidad y que le dan contexto a las cerca de 65 pinturas que las acompañan.
La correspondencia, en la que el artista describe desde lo mundano, como un tipo de lápiz en particular, hasta una poética visión de las aguas del Mediterráneo, pone en duda el concepto de Van Gogh como un genio errático y torturado.
"La idea más generalizada acerca de él es que fue un artista algo loco y poco reflexivo, que pintaba rápida y muy espontáneamente", dijo la curadora de la exposición Ann Dumas.
"Por supuesto que sufrió una enfermedad mental, sobre todo en los últimos dos años de su vida, pero Van Gogh sólo pintaba en periodos de lucidez y sus cartas revelan que era un intelectual muy culto, un hombre que hablaba inglés, francés y algo de alemán, y que usaba la literatura como referencia constante en su vida", añade.
"Pintaba muy rápidamente, sí. Pero ponía mucha reflexión y preparación en su trabajo, aún antes de pintar sobre el lienzo", dijo Dumas a Reuters.
Aunque cortó un pedazo de una de sus orejas, ingresó voluntariamente a un asilo mental y terminó su propia vida a los 37 años, Van Gogh estaba compenetrado en su arte y preparado para trabajar en el perfeccionamiento de técnicas de perspectiva, color y de la forma humana.
Aún en los últimos años de su vida, sus cartas revelan a un hombre aparentemente más preocupado por su oficio que por sus demonios personales y mentales.
Días antes de su muerte, escribió a Theo: "(Estoy) dedicándome a mis lienzos con toda mi atención".
Una carta incompleta que Van Gogh llevaba en el momento de su suicidio en 1890 también forma parte de la exhibición, con una nota de Theo escrita con lápiz diciendo: "La carta que llevaba encima el 27 de julio, ese horrible día".
Críticos británicos han alabado la muestra, particularmente por su enfoque sobre Van Gogh y su arte más que en su enfermedad mental, su automutilación y su violenta muerte.
"La genialidad de esta exposición es que el mismo artista nos dice en sus propias palabras que debemos mirar nuevamente y ver lo que realmente está allí, y no lo que nuestra imaginación le ha agregado".

Red, una muestra de Luis Felipe Noé





El consagrado artista argentino Luis Felipe Noé se presenta en el Museo Nacional de Bellas Artes con dos obras de gran formato, un trabajo preparado especialmente para la 53º Bienal de Venecia del año pasado.

Sobre una de las paredes de la sala se extiende “La estática velocidad”, obra sobre papel de 11 por 3 metros donde las rayas negras típicas del artista vibran sobre colores estridentes, en muchos casos fluorescentes. Dentro de estos sectores hacen sus apariciones, casi fantasmagóricas, pequeños rostros y figuras humanas.

En la pared enfrentada a esta obra se exhiben quince bastidores de formas irregulares que componen una obra llamada “Nos estamos entendiendo”, donde se suceden las contradicciones y el caos y la idea es que todas las partes juntas puedan dialogar llevándose lo mejor posible.

Para dar el clima de lo que fue este envío representando a nuestro país en la prestigiosa Bienal, se muestra un video de cómo fueron ejecutadas las obras en el taller del artista, así como también las enormes cajas en las que se trasladaron.

Este artista que, desde hace casi cincuenta años forma parte de la historia de nuestra cultura, fue uno de los cuatro integrantes de lo que se llamó “La nueva figuración”, denominación que el mismo Noé cuestiona en el video que se pasa en la muestra porque dice que no parte de la figura, que va hacia ella si es necesario.

Desde hace mucho tiempo Noé se clona así mismo. Si bien la repetición de ciertos elementos deriva en un estilo, en el caso de Noé aburre, no emociona, no genera cuestionamiento alguno. Hace unos meses hubo una muestra de sus trabajos en una galería y la sensación de que todos son excesivamente parecidos entre sí se aplica a esta muestra.

Para muchos Noé es considerado un maestro pero su figura es sobrevalorada. Su obra es complicada, barroca, y en ella nada parece demasiado atractivo. Se hace difícil acceder, como ocurre con los textos sobre arte que publicó en varios libros.

Hasta el 31 de enero en el MNBA, Av. Del Libertador 1473. Martes a viernes de 12.30 a 20.30 horas. Sábados, domingos y feriados, de 9.30 a 20.30 horas. La entrada es libre y gratuita.

jueves, 21 de enero de 2010

Se extiende hasta el 28 de febrero la muestra de Ladislao Magyar


La muestra de dibujos de Ladislao Magyar,“Cinco años y sin excusas”
En el Centro Cultural Borges,proyecto “la línea que piensa”, sala 10, primer piso
Viamonte esq.San Martín
Horario:lunes a viernes de 10 a21 hs., sásbados y domingos de 12 a 21 hs. Entrada libre y gratuita.

martes, 19 de enero de 2010

Centro Cultural del Bicentenario




Centro Cultural del Bicentenario


La construcción del Centro Cultural del Bicentenario (CCB) en el antiguo Palacio de Correos será uno de los más grandes del mundo. Con 110.000m2, distribuidos dentro del edificio de 63 metros de altura, la obra tendrá una envergadura similar a la de los grandes centros culturales del mundo como L’Auditori de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Tate Modern de Londres, el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de Paris, el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el Guggenheim de Bilbao y el Lincoln Center de Nueva York, superando en superficie a varios de ellos.

Situado cerca de la Casa de Gobierno y sobre la avenida Corrientes, en la ciudad de Buenos Aires, el CCB se constituirá en un atractivo urbano de primera magnitud para vecinos y visitantes, aumentando la oferta cultural y convirtiéndose en la pieza clave de una estrategia urbana que busca inyectarle nueva vida a un amplio sector desaprovechado del “Bajo” porteño.

Como ya se ha aplicado en otras capitales del mundo, una iniciativa cultural de estas proporciones está destinada a cambiar la cara a las áreas bancarias y administrativas que permanecen vacías por la noche y durante los fines de semana.

Además, este nuevo polo cultural extenderá hacia el sur el área de museos que ya existe en Recoleta y conectará el Casco Histórico en un recorrido que terminará por hilvanar la oferta cultural porteña en un contrapunto en el que convivirán la historia y la actualidad.

La inauguración, aunque de manera parcial está prevista como varias otras iniciativas como la refacción del Teatro Colón, en mayo próximo.

Subastan un cuadro de Klimt desaparecido por décadas



Próximamente se subastará en Londres un raro y luminosamente bello paisaje pintado por Gustav Klimt, que sus dueños mantuvieron oculto durante la anexión de Austria por el Tercer Reich alemán en 1938 y que luego desapareció por décadas.

Según ha declarado la casa de subastas Sotheby's, el cuadro ­que representa un cambio clave para el artista­ será subastado el 9 de febrero en una de sus más atractivas ventas de arte impresionista y moderno.
nota publicada en Ñ edición digital lunes 18 de enero de 2010.

sábado, 16 de enero de 2010

viernes, 15 de enero de 2010

Museos que se alquilan, una fuente de recursos


Los usan para fiestas, congresos y desfiles
Otro tipo de arte

lanacion.com | Cultura | Viernes 15 de enero de 2010

martes, 12 de enero de 2010

Robert Mapplethorpe, en mayo en el Malba.




La otra buena noticia es que el Malba para el mes de mayo programó una muestra del artista Robert Mapplethorpe. Al igual que Warhol que tienen de latinoamericanos?.

Parece que hay fecha de apertura del Mamba, (Museo de Arte Moderno), se cree que es para noviembre. Ojala, porque están tardando más que los egipcios para hacer una pirámide.

sábado, 9 de enero de 2010

Gracias Gauchito Gil


Hoy, Antonio Mamerto Gil Núñez (su verdadero nombre) es uno de los santos profanos más difundidos entre la gente, de boca en boca, de milagro en milagro podría decirse. Por todo el país, al costado de los caminos y en las casas de sus creyentes hay una insignia, un altar, una señal en su honor.

Cada 8 de enero se conmemora su muerte y se acercan a su tumba ubicada en Mercedes, provincia de Corrientes (de donde era originario), este año cerca de 250 mil personas para rendirle homenaje. Allí va su gente a rezarle, a pedirle y agradecerle por los pedidos concedidos.
María Rosa Lojo, autora de “Cuerpos resplandecientes, santos populares argentinos”, el culto de Antonio Gil Núñez es el más extendido del país. Según explica la escritora a minutouno.com, en los últimos quince años se multiplicaron sus altares y sus devotos, desde las Cataratas del Iguazú hasta la Tierra del Fuego. Pero su origen es por cierto, antiguo.

No existe una única versión de cómo vivía, pero se sabe que nació en la zona de Corrientes entre 1830 y 1870. En esos años en la provincia había un enfrentamiento político entre los azules y colorados (Gil pertenecía a los colorados, por eso se ven las banderas rojas en su santuario).

Cerca del 1850 ambos bandos se enfrentaron en las batallas de Ifran y Cañada del tabaco y es por eso que el coronel azul Juan de la Cruz Salazar citó a todos los hombres posibles para librar esas batallas, haciendo lo mismo con Gil. Fue entonces cuando el gaucho dijo que no había que pelear entre hermanos y no se presentó a la convocatoria.

En esa época, la deserción se pagaba siendo degollado o fusilado. “Se convirtió en un desertor ‘cuatrero fugitivo y hombre de Dios’ y sobrevivió escondiéndose en los esteros del Iberá. A pesar de su pobreza, no dejaba de repartir con otros necesitados aquello que conseguía en sus robos. Finalmente fue prendido y ejecutado sin más trámite en camino al lugar donde tendría que haber sido juzgado”, expresa Lojo.

Pero la verdadera leyenda comienza con su asesinato. Dirigiéndose al que lo iba a matar, el Gauchito pronunció sus últimas palabras: “Cuando vuelvas a tu casa, encontrarás a tu hijo muy enfermo pero si mi sangre llega a Dios, juro que volveré en favores para mi pueblo”. Acto seguido, obedeciendo la voz de mando, el soldado le cortó el cuello.

Varios días después, cuando todos ya habían olvidado al Gauchito, el soldado que lo había matado volvió a su casa y encontró a su esposa desesperada porque su único hijo estaba muy enfermo. En ese instante recordó las palabras de Gil. Entonces volvió al lugar donde lo habían matado, enterró el cuerpo y le rogó al Gauchito por su hijo. Cuando volvió a su casa, al amanecer, encontró a su niño sano.

miércoles, 6 de enero de 2010

Ernesto Bertani, con mucha tela para cortar




Ernesto Bertani inauguró su muestra retrospectiva con más de cuarenta obras en las que de manera abreviada se cuentan todas las etapas creativas de este artista nacional.

La muestra incluye telas de grandes dimensiones que sólo una gran sala como la Cronopios del Recoleta puede exhibir, utilizando en más de una ocasión toda la pieza completa de tela de siete metros de largo, la que se utiliza para la confección de ropa o de tapicería. Bertani utiliza aerógrafo y pintura acrílica, logrando sorprendentes efectos ilusionistas.

Con sus trucos o "trompe l´oeil", el artista crea un juego para los espectadores en donde el fondo y la figura se camuflan.

Las formas femeninas y masculinas bien marcadas, ellos de eternos trajes. En sus comienzos Bertani utilizaba telas de casimires y su mundo era claramente masculino, pero con el tiempo la mujer comenzó a tener lugar y, algo más descontracturadas, las féminas muestran más sus atributos como si en ellas las telas se hicieran más transparentes. Por debajo de las sábanas, las amorosas formas humanas esconden y muestran al mismo tiempo, y esa unión parece sellada por la pasión representada por el fuego.

Con las banderas realizadas en diferentes soportes Bertani reflexiona acerca de nuestra identidad y la crisis de valores.

Sus seres son anónimos, tanto que no tienen rostros y la existencia comienza del cuello para abajo. En las obras, Bertani pone la lupa en el juego del poder, como si el traje fuera el uniforme de los que mandan y deciden por el resto.

A mirar con atención las obras de la entrada y tratar de identificar qué personalidad le corresponde a cada personaje. En una mirada rápida parecen iguales pero no los son.

Desde 1977, Ernesto Bertani expone en salones, bienales y galerías de nuestro país y del exterior. Recibió múltiples premios y distinciones, entre los que se destacan el primer premio de Honor en el Salón Municipal (1982).

La muestra estará abierta hasta el 21 de febrero en el Centro Cultural Recoleta, en Junín 1930.

martes, 5 de enero de 2010

Disfrazan de Homero Simpson a una estatua del siglo XIX



Año tras año, un grupo de bromistas (ignoramos si siempre son los mismos o no) se dedica a disfrazar la estatua del noble Lord John Scott, construida en el siglo XIX y situada en el centro de Dunchurch, en Reino Unido. Dicen que es algo que ocurre cada Navidad desde hace más de 30 años , como una forma de publicitar la localidad internacionalmente. Es una tradición que pasa de generación en generación.
Este año, el elegido para ejercer de Lord John Scott ha sido Homero Simpson, pero el mérito ya había recaído antes en Shrek, Spiderman, Harry Potter e incluso el hijo del protagonista de este año, el pequeño Bart Simpson.

sábado, 2 de enero de 2010

Roban un cuadro de Degas del Museo de Marsella


Después de ser interrogado durante horas, ayer viernes fue liberado sin cargos el vigilante nocturno del museo Cantini de Marsella al que se había arrestado en relación con el robo de “Los coreutas” de Edgar Degas.

“Los coreutas” es un cuadro al pastel de 1877 y está valuado en 800,000 euros. Se encontraba en el museo marsellés prestado por el Museo de Orsay de la ciudad de Paris, para la exposición “De la scéne au tableau”, que se abrió el 6 de octubre pasado.

Entre otras telas, la colección reúne una veintena de obras de Degas, a quien se lo conoce sobre todo por los pasteles en los que captó el mundo del ballet y el teatro de finales del siglo XIX.
Antes de ayer, cuando abrió el museo a las 10 de la mañana, el personal descubrió que el cuadro había desaparecido y dio aviso a las autoridades.

Un representante del procurador se presentó de inmediato en el lugar. “Aparentemente, el cuadro desapareció durante la noche, antes de la apertura del museo. De acuerdo con mis informaciones, no hubo irrupción”,dijo.

Se manejan tres hipótesis: “Un visitante, un intruso o una complicidad interna”. “Esta obra fue desmontada. No fue arrancada. Eso sugiere al menos un poco de organización... No se trata tampoco necesariamente del trabajo de un gran profesional”.

viernes, 1 de enero de 2010

Logo del Dakar cambió solo dos veces en 32 años

Así fue el primer beduino que se usó como símbolo de esta competencia internacional nómade.


Desde 1995 el beduino se hizo más misterioso.

Este es el actual para la prueba que se realiza recorriendo Argentina y Chile.

Mejores perspectivas para el arte contemporáneo en el 2010


Después de tocar suelo en 2009, el mercado del Arte contemporáneo podría remontar el vuelo en 2010, según los expertos. “Todo denota signos de recuperación”, explica Elisa Hernando, directora de la consultora Arte Global, en referencia a las cifras facilitadas por Artprice y al índice de confianza AMCI, que subió un 60 por ciento en el último trimestre del año que termina.
Nota publicada en artseleccion.com