miércoles, 28 de marzo de 2012

Grupo Arte-Memoria Las caras del Nunca Más



"El arte como impugnación del silencio" es el nombre de la muestra que presenta retratos de desaparecidos realizados de manera colectiva, además de fotografías, proyecciones y textos.
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Por Nanu Zalazar

El grupo “Arte- Memoria, colectivo” no solo ve en el arte la posibilidad de expresión y de visibilidad del tema de los desaparecidos. El retrato, por ejemplo, lo considera como una forma de representar a las víctimas del Terrorismo de Estado. Las imágenes, realizadas por muchas manos, generan una obra anónima y colectiva, y mientras se trabaja estos encuentros sirven muchas veces para el intercambio de anécdotas y relatos entre los familiares y amigos.

El primer retrato fue de un amigo desaparecido del artista Jorge González Perrín, que utilizó el método del cuadriculado. El artista vio en esta antigua técnica la posibilidad de que muchos, sin experiencia artística, pudiesen reconstruir los rostros de sus seres queridos. Muchos de estos trabajos luego se transformaron en pancartas con las que se acompañaron los juicios y las lecturas de las sentencias a los militares de la última dictadura.

La primera vez que se representó artísticamente a los desaparecidos se partió de un proyecto de tres artistas, Rodolfo Aguerreberry, Julio Flores y Guillermo Kexel, que en 1983 presentaron “El siluetazo”, un conjunto de siluetas de personas tamaño natural a las que, en algunos casos, se les escribían nombres y la fecha de su desaparición.

Con los retratos se logra hacer presente la ausencia en forma individual, que ya no es anónima sino que tiene nombre y apellido y que figura de manera visible en la misma obra.

El grupo “Arte- Memoria, colectivo” elige a la expresión artística como una manera de reforzar la memoria, al retrato como una especie de reparación. Es una acción que surge de las reuniones de familiares y amigos de desaparecidos, a partir de las que se buscaron fotos sobre las que basar las obras. Pero esto fue en la medida en que se podía elegir entre varias, porque muchos se vieron obligados a deshacerse de sus fotos en los tiempos de la dictadura por razones de seguridad.

La representación de los retratados responde a una consigna: se busca que estén sonriendo o en un momento feliz para hacer hincapié de alguna manera en sus sueños y en sus proyectos, para hablar de la vida y no de la muerte.

La técnica consiste en realizar un cuadriculado a la foto, que luego se traslada a una tela, se numera y cada uno de los cuadrados son pintados por familiares y amigos. Se asigna solo un cuadrado por persona y la idea es que los que intervienen se focalicen y traten de reproducir lo que ven en el que les tocó. Cada parte es importante ya que junto a las otras forman la imagen, el todo.

En la exposición hay paneles que muestran el paso a paso para hacer los retratos con la técnica de la cuadricula. Y se encuentra el retrato de la docente y gremialista Graciela Lo Tufo, de Rosario, que fue realizado en tres jornadas organizadas por el grupo “Memoria Maestro”, que había realizado un libro con las historias de los docentes desaparecidos de esa ciudad, acompañados por fotos en blanco y negro. De allí salió el retrato de Lo Tufo en el que trabajaron niños, adolescentes, familiares, amigos y docentes, y que desde su realización se encuentra en el salón de asambleas de Amsafé, gremio que nuclea a los maestros de santafesinos. La obra, por otra parte, no termina cuando está terminado el cuadro, sino que se completa en sus apariciones públicas.

Entre los documentales que se proyectan está “Walsh entre todos”, que muestra como se realizó la construcción del retrato del periodista abatido por la dictadura. Esta vez, en lugar de usar un lienzo se usaron tablas de madera de 15 x 15 cm con las que formaron una imagen de 3 x 2,2 metros, que fue rearmado sobre las escaleras del monumento a la Bandera. También se realizaron 400 pancartas con la serigrafía de Walsh que se portaron el 26 de octubre de 2011 en la que lectura de la causa ESMA.

Arte-Memoria comenzó sus actividades en el 2010 al abrir las puertas de su taller así como también asesorando a quienes quieran aprender esta técnica. El grupo permite rescatar desde otro lugar las iconografías de personas que físicamente ya no están y de este modo generar una voz que, como dice el nombre de la muestra, impugne al silencio.

Hasta el 22 de abril en el Palais de Glace. De martes a viernes, de 12 a 20 horas. Sábados y domingos, de 10 a 20. En Av. del Libertador 1248 o Posadas 1725.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 23 de Marzo de 2012

Claudio GALLINA Juguemos en el bosque



Claudio Gallina expone “Homo Ludens”, un recorrido por la infancia, pero ya no desde las aulas o los patios de las escuelas, como en otros momentos, ya que esta vez los personajes juegan en lugares abiertos con árboles y sin referencias geográficas. El otro cambio que presenta este artista en su obra es que, junto con las pinturas, se muestran dibujos, objetos y una escultura realizada en cartapesta.

El artista habla con naturalidad sobre la infancia y los juegos de esta etapa de la vida como un momento en el que se forja la personalidad y se construye la relación con los otros. El juego resulta una escuela informal de aprendizaje en la que los niños, a través de las teatralizaciones, van intentando comprender el mundo adulto y la violencia, que también es parte del mundo. El arma elegida por Gallina es una pequeña gomera y algunas obras sufren su ataque, que deja agujeros impactados en los dibujos.

Con una paleta de colores acotada, Gallina también juega con el color de los recuerdos, que para él parecieran estar en verde, celeste y gris. También experimenta con otros soportes y divide el fondo de la figura en dos obras que se complementan.

Haciendo un puente entre sus obras, que remiten a la escuela, aquí aparece un pizarrón negro y con la madera de un pupitre le da vida al asiento de un “subeybaja”. Para conectarnos con otros momentos de nuestra vida está muestra resulta imperdible. Hasta el 8 de abril en el Centro Cultural Recoleta, en Junín 1930.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 23 de Marzo de 2012

Descubren que una obra anónima era en realidad de Van Gogh



La pintura fue sometida a estudios de rayos-X fluorescentes y los expertos descubrieron que está pintado encima de otro cuadro.

El cuadro "Naturaleza muerta floral con amapolas y rosas" que se exhibía en el museo holandés Kröller-Müller y se atribuía a un artista anónimo pertenece a Vincent van Gogh, según pudieron confirmar los expertos después de un año de investigaciones.

La obra fechada en 1886 se exponía en la colección de cuadros del siglo XIX del mencionado museo y aunque se sospechaba que pudiera tratarse de un Van Gogh, sus grandes dimensiones (1 metro por 80 centímetros) habían hecho dudar de esa autoría.

"El lienzo no tenía las características morfológicas más propias de Van Gogh. Además, se trata de un tamaño de cuadro poco habitual para el artista", confirmó uno de los expertos del Kröller-Müller a la prensa holandesa, en declaraciones reproducidas por la agencia DPA.

La pintura fue sometida a estudios de rayos-X fluorescentes y los expertos descubrieron que está pintado encima de otro cuadro que muestra a dos hombres practicando lucha libre, que Van Gogh retrató en 1886 durante su estancia en la Escuela de Bellas Artes de Amberes (Bélgica).

Cuando el pintor regresó a París decidió pintar encima las flores, pero directamente sin quitar previamente a los luchadores.
Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 20 de Marzo de 2012

Italia: Expertos creen haber descubierto una obra de Leonardo



Fue anunciado por especialistas en arte durante una conferencia de prensa en el Palazzo Vecchio, de Florencia.

Expertos en arte anunciaron hoy (lunes 12) que creen haber hallado rastros de una obra inacabada que atribuyen al genio italiano del Renacimiento, Leonardo da Vinci, en una conferencia de prensa en Florencia, capital de Toscana.

Estos rastros fueron hallados gracias a microcámaras colocadas a través de una obra de Vasari, que se encuentra en una sala del Palazzo Vecchio, sede de la municipalidad, en Florencia.

Nota publicada en www.gacetamerantil.com el 12 de Marzo de 2012

Sergio Lamana y sus "Esculturas en movimiento"



Este dibujante y escultor trabaja en distintos formatos y materiales. Actualmente expone en una muestra colectiva que abarca tres generaciones de dibujantes en la galería Masotta Torres.

Por Nanu Zalazar

Sergio Lamana dibuja desde chico. "El primer contacto en el que yo sentí que eso era lo mío fue cuando hice la escuela de cerámica. El modelado, la alfarería, todo eso me sirvió para estar en contacto con la escultura, con las tres dimensiones", relata. Después eligió continuar en la escuela de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", en la orientación escultura. Antes de terminar le ofrecieron trabajo en la Parque de la Costa y para él fue como otra escuela. "Aprendí muchas cosas que todavía sigo utilizando como el aerógrafo, diferentes pátinas, el tallado en grandes dimensiones", cuenta. Cuando ese trabajo se terminó, empezó a concurrir al taller de Juan Doffo y dejó la escultura por un tiempo.

Se sentía cómodo con el dibujo pero buscaba otras cosas porque "uno se estanca", dice. Así fue como comenzó a experimentar con papel vegetal y cosiendo papeles. En ese proceso se inició en la filmación y a editar de manera casera. "Les ofrecí mis trabajos a los chicos de Ataque 77 –recuerda–, y como les gustó se hizo un video clip para el tema ‘Morbo Porno’. Primero hice la animación en un recital en Obras en el tema ‘Western’, y después también para ‘Neo Satán’, en la que hice la cara de (Carlos) Menem".

Lamana trabaja en pequeño tamaño y después, para una muestra, lleva sus obras a tamaño natural. De este modo hizo su primera muestra, que fue en un hostel en San Telmo, "Boquitas pintadas", y después en el IMPA.

La temática, al inicio, hablaba de la represión a través de obras eróticas y de personajes de la dictadura. “En mis obras canalizo lo que reprimo, siempre hablo sobre la guerra de Malvinas y en la muestra en Massotta Torrés presento dos obras sobre este tema”.

De los papeles chicos pasé a los más grandes, y descubrió que el movimiento le permitía trabajar en las caras aplicando gestos. “La cara está divida en cuatro partes que se articulan. Los cosía con elásticos y me empecé a preocupar más en la anatomía, en la tensión, en la articulación”, describe.

“Lo mío fue una búsqueda que comenzó por curiosidad –apunta–, después encontré que en otros lugares había objetos con movimiento, como los títeres de Indonesia, que tienen un pivot en las articulaciones, tienen mucho de las lámparas orientales por la superposición de elementos traslúcidos, y también están esos pescaditos que se articulan. Pero yo partí de una búsqueda personal”.

Cuando trabajaba sobre temas pornográficos prefirió buscar obras más sutiles y las transparencias, mostrar el interior del cuerpo, que provoca imágenes más misteriosas. Con el video le gusta la posibilidad de manejar el tiempo, ralentar o acelerar el movimiento.

El caballo tamaño natural realizado en papel, que tiene movimiento, tardó en resolver como lograba el movimiento de las patas hasta que un amigo escultor lo ayudó a solucionarlo a través de paralelas que permiten los movimientos de caminar.

“Tuve la suerte de haber hecho el taller con Juan Doffo, que fue un gran maestro para mí. También estuve en el taller de Luis ‘Yuyo’ Noé, y ambos me dieron un empujón enorme y muchos conocimientos de manera generosa”, resalta Lamana.

Lo invitaron a participar en una muestra en la ESMA, que a través del arte se está limpiando un lugar en donde se torturó y se mató a personas. “Una energía que estaba podrida, está cambiando”, se entusiasma el artista. Para este último proyecto, Lamana estaba preparando unas alas rojas para aprovechar el espacio aéreo. “El lugar es muy alto y, pensando en lo que fue el ‘Plan Cóndor’, hice las alas de color rojo, pero por falta de presupuesto parece que no puedo terminarlo”, se lamenta.

Las obras de Lamana podrán verse en la muestra DAC 36 hasta el 20 de abril en la galería Masotta Torres, en México 459.

Publicadao en www.gacetamercantil.com el 12 de Marzo de 2012

La mujer rota de Luján Funes




Luján Funes inauguró “Rota”, su muestra en el Museo de la Mujer. Se trata de una artista conceptual y el eje de sus obras gira sobre los problemas del mundo femenino. En esta ocasión corre el velo y deja ver algunos de los mandatos que reciben las mujeres a través de las revistas femeninas, que agigantan temas superfluos y de los verdaderos y profundos no se ocupan. Son revistas donde se escribe en miles de notas sobre cómo deben actuar las mujeres para “seducir a un hombre”, pero nunca hay una nota sobre el aborto. Desbordan los consejos de cómo perder kilos pero no hablan de política, el peor enemigo es la celulitis y no una pareja violenta.

Estas publicaciones, que no cambian los mandatos vertidos desde sus páginas desde las primeras publicaciones del siglo pasado, terminan resultando manuales de la perfecta “geisha”, con consejos sobre sexo y recetas de cocina, todo para hacer sentir bien al hombre.

Funes exhibe el cuerpo de la mujer como una tapa de revista realizada en cerámica: las que están bien cuidadas están en estantes, en cambio las que recibieron maltrato, aparecen tiradas en el piso.

Con paciencia, durante muchos años, Luján Funes viene recortando notas, titulares y hasta palabras sueltas, y con ellas arma una crítica a la sociedad. Como con el mueble repleto de cajones en cada uno de los cuales coloca títulos como si se tratara del sumario de una revista. En uno de estos cajones se pueden ver cientos de verbos imperativos, “disfrutá” o “gozá”, como si estos sentimientos dependieran exclusivamente de la propia voluntad.

Resulta inquietante ver en las revistas que se autodenominan “femeninas” que se desgranen tantos guiños machistas, lo que se torna un círculo vicioso.

Museo de la Mujer, Pje. Rivarola 147 (alt. B. Mitre al 1300). De martes a sábado de 15 a 20 horas. La muestra cierra el 11 de abril.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 12 de Marzo de 2012

Rematan versión de "El Grito" del artista noruego Edvard Munch



Es la única en propiedad de un privado. Lo hará la casa Sotheby's, en Nueva York, en mayo próximo. Hay otras dos piezas en museos.

La única versión en manos privadas de las obra maestra "El Grito" del artista noruego Edvard Munch, cuyo valor podría exceder los 80 millones de dólares, será subastada por Sotheby's en Nueva York en mayo próximo, anunció hoy (martes 21) la casa de remates.

"El Grito" de Munch (1863-1944), una de las pinturas más famosas del mundo, encabezará las ventas de arte moderno e impresionismo que organizará Sotheby's a partir del próximo 2 de mayo, señaló la casa de remates en un comunicado.

"El Grito", cuyas cuatro versiones fueron pintadas entre 1893 y 1910, muestra a una figura tomándose la cabeza en un momento de angustia y desesperación existencial delante de un paisaje de colores vívidos.

La obra que se subastará data de 1895 y es "una de las cuatro versiones de la obra y la única versión aún en manos privadas", indicó Sotheby's.

"Dado cuán raros son los verdaderos íconos que llegan al mercado, es difícil predecir el valor de 'El Grito'. El reciente éxito de obras maestras en Sotheby's sugiere que el precio podría exceder los 80 millones de dólares", dijo el vicepresidente de Sotheby's y titular del departamento de Arte Moderno e Impresionismo, Simon Shaw.

La obra es propiedad del empresario noruego Petter Olsen, cuyo padre Thomas fue amigo, vecino y mecenas de Munch.

La pintura será exhibida en Londres por primera vez en su historia a partir del próximo 13 de abril, y en Nueva York, en forma previa a su subasta, desde el 27 de ese mismo mes.

En los últimos quince años, dos versiones de la obra fueron objeto de espectaculares robos.

En 1994, una versión de "El Grito" fue robada de la Galería Nacional de Oslo y recuperada poco después por la policía.

En agosto de 2004, otra versión de "El Grito" fue robada en pleno día por hombres armados en el Museo Munch de Oslo. La pintura fue recuperada en 2006.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 21 de Febrero de 2012

Turismo es cultura



El perfil del turista extranjero que visita Buenos Aires tiene una motivación por el universo cultural de la Ciudad. Es por eso que se da gran promoción a los grandes eventos de la Ciudad y a la cultura como rasgo identitario, y tanto para el interior como el exterior del país el turismo cultural fue ganando espacio y actualmente se puede hablar de un visitante con un claro perfil cultural.

Los resultados de la Encuesta en Museos 2011, realizada por el Observatorio Turístico de la Ciudad, confirman lo que fuera una tendencia y ahora se constituye casi sin lugar a dudas como el principal atractivo de la Ciudad de Buenos Aires: su oferta cultural.

La investigación se realizó con la colaboración de la Dirección General de Museos del Ministerio de Cultura porteño y de varios museos privados sobre un universo de 972 turistas encuestados en siete museos porteños. El ranking de los museos más visitados por turistas lo encabezó el Museo Evita, que concentró el 25,4 % del total de los encuestados. El segundo puesto fue para el Malba, con 23,4%; y el tercero fue para el Museo Boca Juniors, con 22,4 %. Le siguen en orden de importancia el Centro Cultural Recoleta (14%), Casa Museo Carlos Gardel (9%), el Museo de la Ciudad (4%) y el Museo Isaac Fernández Blanco (3%).

La encuesta destaca que tanto en el caso de los turistas internacionales (45,5%) como en el de los nacionales (31,9%), la oferta cultural de la Ciudad se transformó en uno de los principales motores de elección de su viaje.

Del estudio se desprende que quien visita los museos de la Ciudad también visita varias veces en un trimestre algún museo o centro cultural en su lugar de residencia. Este comportamiento se refleja en el 19,8% de los extranjeros y en el 12,6% de los nacionales.

La opinión general de los turistas nacionales encuestados sobre los museos seleccionados en la muestra fue “excelente” para el 23,5%, “muy buena” para el 42,9% y “buena” para el 24,4%. En cuanto a los extranjeros, el 20,4% de los encuestados la calificó como “excelente”, el 35,9% “muy buena” y el 39,9%, como “buena”.
Nota publicada el 20 de Febrero de 2012, en www.gacetamercantil.com

Tamara de Lempika La preferida de Madonna



Se destacó como retratista del "art decó" pero entró en un cono de sombra y volvió a ser reconocida tardíamente. Nació en Polonia, vivió en París y Los Ángeles y murió en Cuenavaca, México. La vida de una vanguardista del arte.

Por Nanu Zalazar

Tamara Gorska de Lempicka (se pronuncia “Uempitsca”), que nació en Varsovia, Polonia, en 1889 y murió en Cuernavaca, México, en 1980, se destacó como retratista dentro del estilo “art decó”. Pintaba retratos y desnudos de hombres y mujeres representados de manera etérea, con ropas movidas por el viento, y luces y sombras marcadas que les dan cierta impronta emparentada con la escultura.

Una de sus obras más famosas es un autorretrato realizado en 1929, "Tamara en Bugatti verde", en donde ironiza sobre la trágica muerte de la famosa bailarina estadounidense Isadora Duncan, que murió estrangulada cuando su larga chalina se enredò en las ruedas de su auto deportivo.

Tamara creció en el seno de una familia acaudalada y su primer retrato fue el de su hermana, en 1910, para desafiar al pintor que había contratado su familia. Ese año un viaje por Italia la puso frente a un mundo estimulante y desarrolló una vocación que la acompañaría el resto de su vida.

Vivió una vida de lujo junto a su marido en San Petersburgo y, cuando estalla la revolución rusa, se traslada un tiempo a Copenhague y luego a París, donde nace su única hija, Kizzette, y en donde Tamara conoce y estudia con el artista André Lothe y logra en poco tiempo exponer en varias galerías de la “Ciudad Luz”. En 1925 se realiza en la capital francesa la primera exposición “art decó” y ella comienza a hacerse un lugar dentro de la sociedad.

En 1926 viaja a Milán, donde expone y conoce al poeta Gabriel D’Annunzio, con quien tiene un romance, y participa de los círculos sociales locales, donde su talento como artista es bien considerado. En 1933 se divorcia pero sigue firmando sus obras con el apellido de su ex marido. Su movida vida social, sus infidelidades y su bisexualidad son algunos de los muchos motivos que conducen a su separación.

Al poco tiempo se casa con Raoul Kuffner, un barón acaudalado con quien se muda a Nueva York, ciudad en la que se inserta sin inconvenientes dentro de la burguesía de Manhattan. En 1934 se muda a Beverly Hills y es el glamour de Hollywood el que necesita de una artista tan sofisticada como Tamara. Una exposición personal en la “Julien Lévy Gallery” neoyorquina supone un gran éxito y permite a la artista construirse una nueva fama. Lévy repite la experiencia unos meses más tarde en su nueva galería de Los Ángeles: el éxito está garantizado con la asistencia de lo más selecto de Hollywood a la inauguración en el local ubicado en Sunset Boulevard

Su depresión y un profundo mistisismo la llevan a internarse varias veces en Suiza, y allí cambia su temática artística por temas religiosos, y también hay cambios en su estilo, que se hace más abstracto.

En las siguientes muestras la suerte que acompañaba a su talento se fue apagando y debió sorpotar varios fracasos hasta que, recién en 1967, unos jóvenes galeristas de París descubren sus obras en revistas viejas. En 1972, Alain Blondel organiza en su galería una muestra con los trabajos realizados entre 1925 y 1935 con mucho éxito de público y de crítica. Es un momento de redescubrimiento.

En 1963 se había mudado a Houston para estar cerca de su hija y también pasaba largas temporadas en Cuernavaca, México, donde muere en 1980. Su hija Kizette, cumpliendo el pedido de su madre, esparce sus cenizas desde un helicóptero sobre el cráter del volcán Popocatépetl, junto a Víctor Manuel Contreras, un escultor mexicano, que heredó una gran cantidad de sus pinturas. Contreras contó con su amistad desde que se conocieron estudiando en la escuela de Bellas Artes de Nueva York.

Antes de morir donó 150.000 dólares a una obra caritativa en Cuernavaca y su hija se enojó porque veía reducida su herencia, a lo que Tamara contestó para finalizar el reclamo. “Todo lo que tengo es gracias a mis pinceles. Y es por eso que no tengo que consultarlo con nadie”.

En los ’90, la cantante Madonna, admiradora y coleccionista de sus obras, en su video “Vogue” usó varios de sus cuadros en blanco y negro, todo acompañado por una estética que recuerda los años ’30. Y en “Deeper and deeper”, otro video personifica a una mujer glamorosa manejando un auto descapotado, igual al famoso autorretrato de Tamara. Otros famosos como el actor Jack Nicholson o Barbra Streinsand son confesos coleccionistas de la obra de Lempicka, lo que hace perdurar el glamour que la caracterizó en vida.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 20 de Febrero de 2012

Dos encapuchados roban 78 piezas antiguas del Museo de Olimpia



El atraco en esa ciudad cuna de los Juegos Olímpicos provocó la renuncia del ministro griego de Cultura Pavlos Gerulanos. Todavía no se informó el valor de los objetos.


Sesenta y ocho piezas antiguas en cerámica y en bronce fueron robadas esta mañana (viernes 17) en el museo de Olimpia, en Grecia, lo que provocó la renuncia inmediata del ministro de Cultura.

"Sesenta y ocho objetos en cerámica y en bronce fueron robados por dos hombres encapuchados", que entraron de mañana en uno de los dos museos de la ciudad de Olimpia, cuna de los juegos olímpicos, precisó la fuente policial.

Por su parte, el ministro de Cultura Pavlos Gerulanos presentó su renuncia, indicó una fuente gubernamental a agencia "AFP".

El asalto tuvo lugar en el antiguo museo de Olimpia, llamado "Museo de los Juegos Olímpicos", y no en el principal museo arqueológico de la antigua ciudad olímpica.

"Los dos hombres estaban armados, inmovilizaron a la guardiana a las 7 locales después de haber neutralizado el sistema de alarma", indicó a la radio Flash el alcalde de Olimpia, Thymios Kotzias.

"Hay que esperar al director del servicio arqueológico de la comuna para tener más detalles sobre "el valor inestimable de esos objetos", agregó.

La antigua ciudad de Olimpia, visitada por cientos de miles de turistas todos los años, es uno de los lugares más célebres de Grecia.

Este atraco tuvo lugar pocas semanas después del robo de tres obras, incluyendo a un cuadro de Pablo Picasso y otro de Piet Mondrian, en la Pinacoteca Nacional de Atenas.

Nota publicada el 17 de Febrero de 2012 en www.gacetamercantil.com

Los jugadores de cartas, de Cézanne, la pintura más cara de la historia



Fue adquirida por la familia real de Catar en 250 millones de dólares y superó así a una de Picasso, "Desnudo, Hojas verdes y Busto", que fue vendida en 106,5 millones en 2010.


La pintura "Los jugadores de cartas", de Paul Cézanne, fue adquirida por la familia real de Catar por 250 millones de dólares, un precio récord para un cuadro vendido en subasta o en una transacción privada, reveló hoy (lunes 6) la revista Vanity Fair .

La venta de la conocida pieza, que representa una partida de cartas entre dos campesinos franceses, sorprende por su elevado costo, ya que la cifra pulveriza cualquier récord de los que los expertos del arte tienen constancia.

La pintura más cara jamás vendida en una subasta hasta el momento es "Desnudo, Hojas verdes y Busto", del español Pablo Picasso, subastada en Nueva York en mayo de 2010 por 106,5 millones de dólares.

Nota publicada en www.gacetamercantil.com el 6 de Febrero de 2012