viernes, 26 de febrero de 2010

El chino que consiguió vender a precios millonarios



El artista chino Qi Baishi, que falleció en 1957, protagoniza un fenómeno sin precedentes en el mundo del Arte al haber ascendido al tercer puerto del listado de autores que más venden en las subastas. Qi Baishi se codea así con Pablo Picasso y Andy Warhol con unas ventas acumuladas de casi 52 millones de euros en 2009.
El 28 de junio de 2009, la obra ‘Ratón y gato con lámpara’ del célebre pintor Qi Baishi, fue vendida por 4,48 millones de yuanes en la 18ª edición de la subasta China Guardian Quarterly Auction.
La pintura muestra a un ratón en lo alto de un mástil largo en el que cuelga una lámpara. Bajo el mástil hay un gato. A pesar de la sencillez de la composición de la imagen, la dinámica y la contención están presentes, creando una situación explosiva. Las imágenes del gato y el ratón producen un fuerte contraste que provoca una sentida sonrisa.


Biografía
Qi nació en una familia numerosa con pocos recursos, por s frágil salud no pudo ir a la escuela.
Aprendió a dibujar con un manual de pintura china compilado a principios de la dinastía Qing
Cuando Qi rondaba los 20 años, se hizo profesional haciendo retratos de familias. Entre 1902 y 1909, viajó por toda China, visitando lugares famosos, conociendo a gente de diferentes orígenes sociales y contemplando con sus propios ojos las obras de grandes artistas.
Fue tras cumplir los 50 años cuando Baishi comenzó a ser visto como un pintor maduro.
En sus últimos años, continuó con sus “innovaciones tardías”, en las que presenta ratones, gambas o pájaros. En 1953 fue elegido presidente de la Asociación de Pintores Chinos.
El 16 de septiembre de 1957, Qi murió en Beijing a los 96 años.


Características de la obra de Qi
Las principales influencias en la obra de Qi proceden del pintor Bada Shanren (también llamado Zhu Da), de principios de la dinastía Qing (1644-1911), así como de Xu Wei, artista de la dinastía Ming (1368-1644).
Baishi cuenta con su propia filosofía pictórica, expresada así: “En los discursos, emplea un lenguaje que la gente pueda comprender; en pintura, pinta lo que la gente ha visto”. Con esta idea en la mente, las obras de Baishi muestran un estilo natural, basado en su propia vida. Los temas de sus pinturas incluyen casi todo, animales, paisajes, figuras, juguetes, verduras, etc. A pesar de que Baishi no fue el primer artista en fijar su atención en las cosas pequeñas de la naturaleza, se le conoce por su hermosa e inigualable forma de pintar tales imágenes comunes.
Algunos artistas alaban la “frescura y espontaneidad que supo llevar al género de los pájaros y las flores, insectos y hierbas, sabios y paisajes”.
Tras la caída de la dinastía Qing, Qi Baishi no se mostró afectado por los acontecimientos políticos. En tiempos difíciles, supo mantener sus propios valores artísticos.
Qi también fue un teórico de la pintura. Consideraba que “la pintura debe ser algo ente real e irreal. Si resulta demasiado real, la pintura es vulgar, y si es irreal, es un engaño a la gente”.
Baishi muestra una especial habilidad en la representación de gambas. El espíritu de la gamba (crustáceo parecido al langostino) y la forma en que flota sobre el agua se ilustra vívidamente con sólo un poco de tinta.
Muchas pinturas de Qi Baishi continen títulos e inscripciones inteligentes y humorísticas, que expresan su forma de ver la vida. Una pintura de dos gallos peleando por una lombriz se titula “Amigos en el pasado”. Una obra que refleja unos cangrejos cocinados en un plato lleva la inscripción “¿Por qué no os movéis?”. Qi expresa así su aversión por la gente imperiosa y dominante, representada en la cultura china por el cangrejo.
Aunque Qi Baishi no tenía ninguna educación formal ni preparación en el campo del Arte, dominaba muchas técnicas, incluyendo la caligrafía y el tallado de sellos.

Entrevista a Steve Mc Curry



"Volví a buscarla porque miles de cartas me lo pedían", confesó

El fotógrafo, que expone por primera vez en Buenos Aires,es arquitecto pero, recién recibido, hizo un master en Artes Visuales y se fue a la India. Allí comenzó su pasión por la fotografía. En una rueda de prensa ofrecida en el Centro Cultural Borges, a la que asistió , Mc Curry desgranó algunas frases.

“La razón de la búsqueda (de Sharbat) fueron las miles de cartas que recibí de gente que quería ayudarla, enviarle dinero, ropa y hasta un hombre, que quería casarse con ella”, recordó.

“En el reencuentro (quince años más tarde de la foto original) yo estaba muy nervioso y en lugar de ver a una niña de 12 años , lo que vi -y además la habitación estaba bastante oscura- fue una figura sombría que se me acercó por la puerta. Y estaba además vestida de negro, lo cual fue muy shockeante para mí , porque no era una niña de ojos verdes brillantes: era una figura fantasmal”.

Mc Curry explicó que, en su cultura, las mujeres afganas "tienen prohibido ver a los hombres fuera de su familia", por lo cual, "el hecho de que ella y el marido hayan dejado que la fotografiáramos nuevamente era increíble porque eso no se hace en la región".

La foto de Sharbat recorrió el mundo y Mc Curry no para de sorprenderse de las consecuencias de aquella toma. "Recuerdo cuando estaba trabajando con refugiados en Pakistán, en 1989, cuatro años después de tomada la foto, y descubrí que muchos que trabajaban como voluntarios habían sido inspirados por la fotografía, justamente, es tremendo el interés que la fotografía causó. Y todos los días desde ese día recibo un email con algún tipo de pedido sobre esta fotografía".

En relación a su trabajo, en general, el laureado fotógrafo estadounidense señaló que "la mayor cantidad de gente que fotografío, no la veo más porque son nómadas y nunca se enteran de que su foto fue publicada".

“Me conecto con las personas", añadió. "Uno reconoce en alguien y se reconoce, en la mirada hay una química que sucede en ese momento, no hace falta quedarse mucho tiempo, es algo que sucede y punto”.

No obstante, aclara que "cuesta mucho trabajo encontrar un símbolo como la niña afgana". Y rememora el momento en el que se cruzó con Sharbat. "Yo estaba caminando en un campamento afgano, en Pakistán, y ví a una niña preciosa, nada más. Fue eso". Después, concluye, "esos íconos suceden, no se pueden planear, no es algo que uno tenga esperanzas de encontrar, no quiero ponerme ese tipo de presión a mí mismo: la presión de encontrar un símbolo semejante".
Publica en www.minutouno.com el jueves 25 de Febrero de 2010

miércoles, 24 de febrero de 2010

Ojos que conmovieron al mundo, una muestra de Steve McCurry



La muestra, compuesta de 110 obras tomadas en lugares de conflicto, estará desde mañana en el Centro Cultural Borges.

Se preinauguró hoy la muestra de fotografías de Steve Mc Curry, que es reconocido mundialmente por el famoso retrato tomado a una niña afgana que fue portada de la revista The National Geographic.

Se presentan en esta ocasión 110 trabajos, muchos de ellos tomados en zonas de conflicto como la guerra entre Irán e Irak (1980-1988), la desintegración de la ex Yugoslavia, el conflicto en Beirut y Camboya.

Mc Curry tiene la sensibilidad y el talento necesarios para contar historias de un mundo hostil con imágenes de una inconmensurable belleza.

El fotógrafo trabaja desde hace décadas para National Geographic y fue como enviado de ese prestigioso medio que en 1985 se publicó el enigmático rostro de Sharbat Gula, quien por entonces tenía 12 años y vivía en un campamento para refugiados en Pakistán. Como una Gioconda del siglo XX, la foto se reprodujo en millones de copias.

Esta toma ayudó a sensibilizar a mucha gente, que acercó su ayuda a los refugiados afganos. En el 2003, Mc Curry volvió a encontrarse con Sharbat mientras realizaba un documental sobre Afganistán. El marido y el hermano de la joven le dieron permiso para que se realizara el encuentro, ya que por motivos religiosos tiene prohibido mostrar su cara a personas ajenas a su familia y debe salir tapada completamente.

En honor a aquella niña de 12 años, la sociedad que publica la revista fundó una escuela para 300 jóvenes y ayudó económicamente a Sharbat, que ignoraba que su imagen era un ícono en el mundo.

La penetrante mirada de sus increíbles ojos verdes recorre un abanico de sensaciones que van desde el miedo al desafío, mostrando una gran fortaleza interior.

La muestra es una sucesión de asombrosas imágenes que no deben haber sido fáciles de seleccionar ya que el archivo del fotógrafo cuenta con más de un millón de tomas.

La muestra inaugura mañana, jueves 25, a las 19 con la presencia del fotógrafo. El viernes a las 19 horas, Mc Curry también estará respondiendo preguntas, y los sábados y domingos a las 18, 19 y 20 horas habrá visitas guiadas. Centro Cultural Borges, en Viamonte 555 segundo piso.

Nota publicada el miércoles 24 de febrero de 2010 en www.minutouno.com

sábado, 20 de febrero de 2010

Robert Rauschenberg: Gluts en el Museo Guggenheim Bilbao


Pasado algo más de un año del fallecimiento de Robert Rauschenberg, el Museo Guggenheim Bilbao homenajea al artista americano con una exhibición en la que tendrán cabida cerca de sesenta de sus trabajos: obras en metal prácticamente desconocidas y pertenecientes a su serie Gluts que proceden de los fondos del patrimonio del propio artista y de colecciones privadas e instituciones de todo el mundo. Esta muestra viene a completar la gran retrospectiva que el mismo centro organizó en 1998, la más completa dedicada hasta la fecha a Rauschenberg.
Considerado precursor prácticamente de todos los movimientos artísticos que surgieron en Norteamérica tras el Expresionismo abstracto, Rauschenberg mantuvo su obra alejada de categorizaciones estrictas empleando todo tipo de materiales y técnicas. Otorgó nueva vida a objetos por otros desechados y, desde los ochenta, dio un giro en su producción para abordar las posibilidades expresivas del metal. Precisamente Gluts fue su primera serie de piezas en este nuevo material y su elaboración se inspiró en la crisis económica del estado de Texas en aquella época, causada por los excesos del mercado petrolífero. El paisaje rural de aquella región quedó salpicado de gasolineras cerradas, barriles oxidados y coches abandonados. En Florida, Rauschenberg trató de compilar objetos que le recordaran a su desolada Texas natal: tubos de escape, señales de tráfico, parrillas de radiador, etc, y transformó toda esa chatarra en esculturas exentas y relieves murales que bautizó como Gluts y que mostró por primera vez en la galería Leo Castelli de Nueva York, en 1986.
Los objetos que las componen no fueron escogidos por Rauschenberg sólo por su cotidianidad, también por sus caracteres formales, útiles a su vocabulario artístico. La serie Gluts se exhibió a continuación en gran número de galerías estadounidenses.
La exposición que hasta el 12 de septiembre ofrece el Museo Guggenheim ya ha podido contemplarse en la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y en el Museum Tinguely de Basilea, pero en Bilbao incorporará una veintena de obras más.
Del 13 de febrero al 12 de septiembre de 2010

jueves, 4 de febrero de 2010

Mudan el archivo de la agencia Magnum


NUEVA YORK (EFE).- El archivo fotográfico de Magnum, una de las colecciones más importantes de instantáneas del siglo XX, abandonó Nueva York después de que la conocida agencia lo vendiera al magnate tecnológico Michael Dell, quien lo cedió a la Universidad de Texas, donde se trabaja en su conservación y catalogación.

Más de sesenta años después de la fundación de la conocida agencia, las casi 200.000 fotografías que componen su archivo físico y que son testigos de los acontecimientos que marcan la historia reciente abandonaron Manhattan y llegaron a la ciudad texana de Austin, donde se atesorarán a partir de ahora.

Además de las fotografías de Robert Capa (1913-1954), se encuentran instantáneas de otros grandes fotógrafos, como Henri Cartier-Bresson (1908-2004), Elliott Erwitt (París, 1928) y Leonard Freed (1929-2006).

En la colección hay instantáneas de rostros tan conocidos como Marilyn Monroe (1926-1962), el pintor español Pablo Picasso (1881-1973), el líder nacionalista indio Mahatma Gandhi (1869-1948) y el activista civil Martin Luther King (1929-1968).

"Este archivo es un increíble fragmento de nuestra historia y además se puede observar desde otros muchos puntos de vista, como el fotográfico, el antropológico e incluso el empresarial, porque se puede ver cómo ha evolucionado con el tiempo", explicó el director de la agencia.

"Nocturna", un espectáculo de tango y acrobacia en el Recoleta




En el Centro Cultural Recoleta (CCR) se presenta por segundo año "Nocturna", un espectáculo para toda la familia creado y dirigido por Gustavo “Mono” Silva e interpretado por la Compañía de Circo Vaivén.

La terraza del CCR se transforma en un patio de arrabal en donde se suceden los encuentros y desencuentros amorosos de sus protagonistas.

El relato discurre a través de coreografías acrobáticas en donde se combinan números circenses: desde un curioso trapecio triple donde dos jóvenes compiten por ganar la atención de un hombre, hasta a un aro en el que una “muchacha” se hace inalcansable para el “guapo” que la pretende, como si bailara dentro de la luna llena o quizás él la imagina allí.

Sobre una especie de sube y baja, una báscula, los hombres de la troupe intentan seducir a las “pebetas” con sus acrobacias. Mientras una joven despliega sus movimientos en un trapecio de vuelo, un poeta recita a Oliverio Girondo.

Un hombre ensaya pasos de baile sobre la cuerda, salta y hasta camina para atrás, y mientras todos contenemos la respiración (como si eso ayudara) la vocecita de un niño le dice: “Cuidado, te podes caer”. Y nuestro silencio se transforma en carcajada.

El plato fuerte es el trapecio de vuelo, en donde todos participan y demuestran su pericia y la confianza de soltarse de su trapecio para ser tomado con las manos por su compañero, eso sí, después de haber dado muchas piruetas.

"Nocturna" es un espectáculo imperdible que une tango y circo dentro de una escenografía, como es la terraza del Recoleta, donde hasta las sombras de los acróbatas se transforman en obras de arte.

La música que acompaña a este espectáculo es de Bajofondo, Gotan Proyect y Electrocutango. Los horarios y días de función son Jueves a domingo a las 21 horas. Y, ¡ojo!, que se suspende por lluvia.
nota publicada en http://www.minutouno.com.ar el 3 de febrero de 2010

Esculturas con arena




Los castillos de arena son esculturas hechas de arena y agua, generalmente es para pasar un rato en una tarde de playa. Pero hay artistas que lo toman como material para realizar sus obras, en un concurso realizado en Sidney en 2003 un castillo alcanzó casi los 9 metros de altura.
Otros se escapan a la forma del castillo y realizan estatuas, algunas copiadas de la historia del arte o de personajes conocidos o arman pequeñas escenografías.
No existe una fecha exacta para datar la invención de las esculturas hechas en arena (los egipcios utilizaban la arena para hacer modelos a escala de las pirámides que iban a construir), pero la construcción de castillos de arena con fines artísticos comenzó en Estados Unidos a principios del siglo XX. Los concursos y exposiciones tuvieron también allí su origen, y en 1990 se extendieron por Europa.
La arena: se utiliza arena de playa, pero sirve cualquier tipo de arena, esta puede ser de playa, río, cantera e incluso tratada (sílica), la diferencia de estas para construir un castillo no dependen de donde procede, sino más bien la importancia la tiene la característica de su forma, y estas pueden ser cilíndricas (redondeadas) o cúbicas (con aristas), estas últimas son las óptimas para obtener los mejores resultados ya que por su forma se adaptan mejor para una buena compactación*. Para construir un castillo pequeño se puede utilizar cualquier arena siempre que esta sea de grano muy fino, pero si lo que deseamos es construir uno de mayores dimensiones utilizaremos la arena de forma cúbica, con este tipo de arena se consiguen construir castillos de grandes dimensiones y gran altura. Tiempo de vida de un Castillo de Arena: Esto depende de la calidad de la arena y por supuesto de la compactación de la misma, hoy en día y a nivel profesional se les aplica un producto para alargar su vida y poder ser expuestas a la intemperie por algunos meses y en algunos casos en interiores por años. Compactación* Compactar la arena en encofrados (cimbras), con pisones de mano o compactadoras mecánicas, este sistema es el más utilizado por los profesionales de la arena.

lunes, 1 de febrero de 2010

“El mundo es un lugar peligroso para vivir… no por la gente mala, sino por aquellos que se cruzan de brazos y lo permiten” Einstein


La resignación y el victimismo son realmente la plaga de nuestra sociedad. Nos sentimos tan insignificantes ante la globalidad y los grandes poderes del mundo que nos autoconvencemos de que no podemos cambiar las cosas. Pero esto es totalmente falso.

Y este cuento breve refleja muy bien nuestra capacidad individual de influir en el mundo.

CUENTO DE LA ESTRELLA DE MAR

Esta es la historia de un hombre que llega a una playa atestada de estrellas de mar moribundas tiradas sobre la arena. El hombre ve a una mujer que, una por una, va recogiéndolas y arrojándolas de nuevo al mar.

Él le dice: “¿ Por qué te esfuerzas? Hay millones de estrellas de mar en la playa, que tiene varios kilómetros de longitud. Y más playas al norte y al sur. No podrás devolverlas todas al mar, así que, ¿qué diferencia puedes hacer?”

La mujer, que tenía en ese momento una estrella de mar en la mano, la lanza al agua para que reviva y responde “A ésta sí le ha hecho una diferencia“.

¡Ya no toca quedarnos detras de la barrera, mirando y quejándonos sino ACTUAR¡

Todos, todos, todos los esfuerzos merecen la pena.


Foto: Garry Black